El actor Christopher Lambert, conocido por su papel en la saga de ciencia ficción Highlander, sufrió una descompensación mientras asistía a un festival de fanáticos en Pittsburgh.

La situación de emergencia ocurrió en la convención anual Steel City Comic-Con cuando el actor, que tiene 69 años, firmaba autógrafos para sus fans.

De acuerdo a lo que declaró un testigo al medio TMZ, Lambert “se desplomó de manera repentina”. Minutos después, tuvo que ser trasladado en ambulancia a un centro de salud local.

Luego del episodio, la convención tuvo que emitir un comunicado en el que aclaró lo ocurrido con la figura de la saga de ciencia ficción.

“Lambert tuvo que abandonar el evento debido a un problema personal”, expresaron. Además, la convención de cómics y cultura pop también anunció la cancelación de la sesión de fotos de fans con Lambert que tenían pautada.

Un representante de la estrella de Mortal Kombat y Highlander habló con TMZ para llevar tranquilidad: el actor se encuentra “perfectamente bien” y descansando en su habitación de hotel, luego de lo que le pasó.

El vocero del actor afirmó que Lambert no durmió lo suficiente la noche anterior a la convención y que no comió mucho durante el día, lo que provocó una baja de azúcar en sangre.

No es la primera vez que Lambert sufre una situación similar. En 2025, tuvo un susto cuando se lesionó la espalda al caerse por las escaleras del hotel en el que estaba.

Debido a la gravedad de la lesión, la estrella de Highlander tuvo que cancelar su aparición en el festival sueco SciFiWorld, que se hizo en marzo.

“Como actor, rodar y promocionar sus películas es una prioridad absoluta, y siempre lo ha sido, y siente el mayor respeto por las personas que organizan eventos y por los fans que asisten. Lamentablemente, esta vez no podrá asistir a la Comic-Con”, aseguraron sus representantes en aquel momento.

Christopher Lambert se hizo muy famoso en la década del 80 y del 90 por el personaje central de la saga de Highlander, en la que también trabajó Sean Connery. El segundo film de aquella historia se grabó en la Argentina.

Además de esta saga, Lambert se hizo muy popular entre los fanáticos de los videojuegos por encarnar a uno de los personajes centrales en el primer film de Mortal Kombat. (TN)

El mundo del espectáculo despidió a Ben Jones, el actor estadounidense que se hizo célebre en todo el planeta por interpretar a Cooter Davenport, el entrañable mecánico de Los Dukes de Hazzard. Tenía 84 años y murió este domingo tras sufrir un infarto masivo, según confirmó su esposa, Alma Viator, a través de un mensaje en redes sociales.

Viator, con quien Jones estuvo casado durante más de tres décadas, contó que el actor se descompensó mientras descansaba en su sillón favorito, esperando para ver un partido de su querido equipo de béisbol, los Atlanta Braves. En su despedida lo recordó como el amor de su vida y destacó la vida plena y feliz que llevó.

Nacido como Ben Lewis Jones el 30 de agosto de 1941 en Tarboro, Carolina del Norte, y criado en Portsmouth, Virginia, el actor alcanzó la fama mundial cuando fue elegido para encarnar a "Crazy" Cooter Davenport, el mecánico del condado de Hazzard y aliado incondicional de los primos Bo y Luke Duke. Interpretó al personaje en las siete temporadas originales de la serie, que se emitió por la cadena CBS entre 1979 y 1985.

Cooter, considerado un "Duke honorario", se convirtió en uno de los favoritos del público por su costado rebelde y pícaro, y por su taller ubicado justo enfrente de la comisaría, desde donde seguía de cerca los movimientos de la familia Duke. Jones apareció en 142 episodios junto a un elenco que integraban, entre otros, Tom Wopat, John Schneider, Catherine Bach, Denver Pyle y Sorrell Booke. Años más tarde volvió a ponerse en la piel del personaje en la película para televisión "Reunión" (1997) y en el especial "Hazzard en Hollywood" (2000).

Pero la vida de Jones excedió largamente a la pantalla. Tras presidir la filial de Georgia del sindicato de actores y encabezar la Comisión de Cine de ese estado, ganó en 1988 la banca por el Cuarto Distrito del Congreso de Georgia y fue reelecto en 1990. Como legislador demócrata, integró los comités de Asuntos de Veteranos y de Obras Públicas y Transporte, y llegó a ejercer como whip de su bancada. En 1994 se enfrentó sin éxito a Newt Gingrich, y en 2002 volvió a intentar regresar al Congreso, esta vez cayendo ante Eric Cantor.

Fuera de la política, Jones también tuvo papeles en films como "Primary Colors" (1998) y "Joe Gould's Secret" (2000), y en 1999 abrió junto a su esposa "Cooter's", un museo y tienda dedicados a homenajear a la serie que lo hizo famoso. En 2007 publicó sus memorias, "Redneck Boy in the Promised Land", donde repasó su vida y habló abiertamente de su lucha contra el alcoholismo.

Su colega y compañero de elenco Tom Wopat, que interpretaba a Luke Duke, lo despidió con un sentido mensaje en el que lo definió como un gran amigo y un ferviente defensor de lo mejor del mundo del entretenimiento, y aseguró que sentía como si el elenco hubiera perdido a un primo Duke.

El poema griego más antiguo de la tradición occidental volvió a la conversación cotidiana por el estreno cinematográfico del año, y esta semana también llegó a la radio. En su columna de los viernes por LU9, el escritor y periodista marplatense Raly Haurat propuso leer "La Odisea" por fuera del recuerdo escolar: como una historia que sigue explicando el presente y que dejó marcas concretas en el tango y en el rock argentino.

Haurat armó el recorrido cruzando tres lenguajes: literatura, música y cine. Sostuvo que el texto conserva vigencia "más allá de que fue escrito hace 3.000 años" y que en el mundo griego "aparece casi todo lo que nos va a pasar", desde la contrariedad hasta el deseo de volver a un lugar y no poder.

El columnista repasó el episodio que abre la historia: la guerra de Troya y la estratagema del caballo de madera, presentado como ofrenda. Según relató, dentro de la estructura iban unos cuarenta soldados que esperaron la noche: "por la noche salen del caballo, abren las compuertas y hacen un desastre".

De ahí, explicó, la expresión sobrevive en el habla diaria como sinónimo de engaño encubierto bajo la forma de un regalo. Haurat también recordó que muchos nombres cambiaron al pasar de Grecia a Roma —Odiseo se volvió Ulises, Dioniso se volvió Baco— con una humorada: "en los romanos le han robado el copyright".

El eje de la obra, marcó, no es la guerra sino la vuelta: diez años de guerra y otros diez de regreso a Ítaca, con el mar convertido en obstáculo por la enemistad de Poseidón, el Neptuno de los romanos.

En ese periplo aparecen la isla del cíclope Polifemo y el paso frente a las sirenas. Haurat se detuvo en ese pasaje porque, dijo, funciona como una metáfora que sigue en uso: el canto "además de ser agudo, te traía verdades", una experiencia que comparó con "sentarse en el diván". Odiseo pide ser atado al palo del barco para escuchar sin sucumbir.

Y trasladó la imagen al presente: cuando alguien advierte "guarda de ir detrás de los cantos de sirena", suele hacerlo pensando en algo tentador y positivo, cuando en el origen del mito era exactamente lo contrario.

El bloque musical incluyó una versión en vivo de "Penélope", de Joan Manuel Serrat, para entrar en la figura de la mujer que espera veinte años tejiendo de día y destejiendo de noche, mientras crecen los pretendientes que buscan reemplazar a Odiseo.

Ahí el columnista dejó una de las frases más comentadas de la emisión: "el que espera también viaja". Aun sin moverse del lugar, argumentó, quien aguarda imagina escenarios y recorre un trayecto propio, un mecanismo que la literatura repite una y otra vez porque el desencuentro es lo que más atrae al lector.

Haurat también explicó por qué el "Ulises" de James Joyce arrastra fama de lectura inaccesible, algo que comparó con "subir al Everest": la novela condensa la acción en un solo día y apuesta al monólogo interior, un recurso que describió como "un pensamiento caótico" muy difícil de sostener. Por eso, señaló, "salvo Saramago, son pocos los escritores que se animaron a ese género".

El tramo final del recorrido fue argentino. El columnista recordó que la tradición local también llevó los nombres griegos y latinos a la música popular: los hermanos Homero y Virgilio Expósito, y Homero Manzi, el santiagueño autor de la letra de "Sur".

Después se detuvo en "Homero", el tema de Viejas Locas incluido en el disco "Especial" (1999). Allí, dijo, la cuestión homérica aparece transformada en una historia "barroca" y "muy kafkiana", algo que no termina de resolverse: "no va a haber cíclopes, ni maremotos, ni va a estar Neptuno, pero sí va a estar la vida de ese final de los 90, el final del menemismo".

El cierre fue para David Lebón, que en los 70 integró junto a Rinaldo Rafanelli y Juan Rodríguez el trío Polifemo, bautizado como el cíclope de la Odisea. Su simple más recordado, "Suéltate rock and roll", fue regrabado en "Lebón & Co." (2019), el álbum producido por Gabriel Pedernera —baterista de Eruca Sativa— que ganó seis premios Gardel en 2020, incluido el Gardel de Oro.

Para Haurat, ese dato dice algo sobre una época: "en esa década del 70 no solamente había discos en las mesas, sino también libros". Y remató con una recomendación para los oyentes: "fíjate las cosas que leían también entonces los rockeros de ese momento".

La columna llegó a la Odisea por la vía del cine. "La Odisea", escrita y dirigida por Christopher Nolan, se estrenó en la Argentina el jueves 16 de julio, con distribución de UIP y una duración de 173 minutos. Está protagonizada por Matt Damon como Odiseo, junto a Tom Holland, Anne Hathaway, Charlize Theron, Zendaya, Robert Pattinson y Lupita Nyong'o.

Haurat advirtió que quienes vayan a la sala pueden ganar mucho repasando antes la historia, porque la película "es todo acción" y no se detiene a explicar el mito. Y dejó la puerta abierta al libro para quienes quieran ir a la fuente.

En su columna semanal en LU9, el crítico Mex Faliero recomendó La Odisea, la ambiciosa adaptación de Christopher Nolan que ya llegó a las salas argentinas, y destacó especialmente el trabajo de Matt Damon. También analizó dos novedades del streaming: el thriller de acción Lucky, con Anya Taylor-Joy en Apple TV+, y El Halcón, la comedia sobre golf que marca la vuelta de Will Ferrell en Netflix.

'La Odisea': la apuesta más ambiciosa de Nolan

El estreno más esperado del momento es La Odisea, la nueva película de Christopher Nolan, que ya se puede ver en los cines de Mar del Plata. El director, ganador del Oscar por Oppenheimer, adapta el poema épico de Homero con un presupuesto de 250 millones de dólares, un elenco encabezado por Matt Damon y una duración de casi tres horas.

Faliero definió a Nolan como uno de los pocos directores que logró reunir "el prestigio que junta tanto la mirada crítica como al público masivo". Pero advirtió que la fantasía no es su terreno más cómodo: según el crítico, es un realizador que "trae todo al plano de la realidad", y en La Odisea intenta darle "una pátina de realismo" a los elementos fantásticos que rodean la aventura de Odiseo, la guerra, el caballo de Troya y su regreso al hogar tras muchos años, donde lo esperan Penélope y su hijo Telémaco.

El columnista destacó algunos pasajes "realmente imponentes" —entre ellos una secuencia con un cíclope que, dijo, transita "por las herramientas del cine de terror"—, aunque marcó reparos: el tono "medio pesado y solemne" característico de Nolan, un montaje por momentos fragmentado y una historia "demasiado apegada al texto" que puede costar de seguir. Incluso deslizó que a la película "le puede estar sobrando fácil 40 o 50 minutos".

Matt Damon, el gran sostén de la película

El punto más alto, para Faliero, es la actuación protagónica. "Matt Damon está realmente fabuloso", afirmó, y lo consideró "uno de los grandes actores de su generación". Según el crítico, es el actor quien le aporta "esa dosis de nobleza y humanidad" que muchas veces se le escapa al cine "más calculado, más cerebral y más frío" de Nolan.

El balance fue positivo, incluso desde su distancia habitual con el director: "No soy muy fan de Nolan, pero no me molestó; me parece que está bien y que tiene momentos destacados", señaló. "Son tres horas que hay que llevarlas, pero es una película que funciona: la podemos recomendar."

El debate: películas cada vez más largas

El repaso derivó en una reflexión sobre la industria. Faliero se declaró partidario de ver el cine "de un tirón" y en la sala, en línea con la defensa que hace el propio Nolan de la pantalla grande. Pero reconoció el problema generacional: "El público se acostumbró tanto a ver series que le está costando ver películas en su extensión completa."

Para el crítico, hoy existe una contradicción en el cine moderno: "Cualquier película dura dos horas y media, cosas que antes se contaban en 90 minutos", planteó, mientras la capacidad de atención de los espectadores es cada vez menor.

'Lucky': Anya Taylor-Joy se anima a la acción

En el terreno de las series, Faliero recomendó Lucky, la nueva producción de Apple TV+ protagonizada por Anya Taylor-Joy, una actriz que —remarcó— despierta particular interés en la Argentina por su vínculo con la cultura local.

La actriz interpreta a Luciana "Lucky" Armstrong, "una joven medio bandida" que celebra en los casinos de Las Vegas junto a su pareja tras dar un golpe millonario. La trama se dispara, contó el crítico, cuando ella despierta sola en el hotel: su novio desapareció y también la valija con los dólares. A partir de ahí comienza una larga persecución en la que la buscan tanto una organización mafiosa como el FBI.

Faliero destacó que se trata de un género de acción "no muy transitado en la serie" por lo costoso de su realización, y valoró que Taylor-Joy "se defiende bien en la acción física". Con dos capítulos ya disponibles, dio su veredicto: "Lucky, de entrada, me convenció." La serie estrena nuevos episodios todos los miércoles.

'El Halcón': Will Ferrell vuelve al absurdo

El tercer título de la columna fue El Halcón (The Hawk), disponible en Netflix. Para Faliero, Will Ferrell es "el mejor comediante norteamericano del siglo XXI", y en esta serie interpreta a un golfista que tuvo su época de gloria y busca volver a la cima.

El crítico observó que el personaje se corre un poco de los habituales de Ferrell: acá es "un tipo más consciente", con un vínculo difícil con su hijo y aspectos más ligados a la realidad que "le quitan a la comedia". Aun así, valoró el intento del actor de recuperar "el absurdo y el lunático de sus orígenes".

El balance fue más tibio que en los casos anteriores. "No está mal, pero está bastante por debajo de lo que uno puede esperar de semejante comediante", opinó Faliero, que rescató "tres o cuatro chispazos por episodio" y cerró: "Con las reservas del caso, podemos recomendar El Halcón."

El crítico de cine Mex Faliero volvió a su cita semanal en LU9 Radio Mar del Plata con tres recomendaciones de streaming y una advertencia: lo nuevo de Larry David, la miniserie "Larry y la búsqueda de la infelicidad", no está a la altura de la expectativa. "Teniendo en cuenta que está Larry David detrás, uno piensa y pretende reírse mucho más de lo que se termina riendo", resumió sobre el estreno de HBO Max producido por Barack y Michelle Obama.

En la misma columna, Faliero destacó "La extraordinaria vida de Eleanor", el debut como directora de Scarlett Johansson, y recomendó "Bad Monkey", el policial con humor de Apple TV+ protagonizado por Vince Vaughn. El repaso se dio en una jornada cargada para el mundo del cine: la muerte del actor Sam Neill y el cumpleaños número 84 de Harrison Ford.

La miniserie que abrió la columna es "Larry y la búsqueda de la infelicidad" (título original: Life, Larry and the Pursuit of Unhappiness: An Almost History of America), creada por Larry David y Jeff Schaffer, que se estrena semanalmente los viernes por HBO Max. La producción está a cargo de Higher Ground, la compañía de Barack y Michelle Obama, y el expresidente estadounidense aparece como presentador. Son siete episodios de media hora, armados a base de sketches breves, lanzados en el marco de los 250 años de la Declaración de Independencia de Estados Unidos.

Faliero recordó el peso específico del creador: se trata de "un gran, gran guionista de comedia, de los mejores, de los más ácidos", involucrado en "Seinfeld" y responsable de "Curb Your Enthusiasm" durante doce temporadas. Por eso, dijo, la expectativa era alta.

El mecanismo de la serie consiste en meter al personaje sarcástico e irónico de David en hechos clave de la historia norteamericana: la Declaración de Independencia, la escritura de la Constitución, el episodio de Rosa Parks negándose a ceder su asiento en el colectivo. En el segundo episodio, un sketch sobre George Washington y el límite de los dos mandatos presidenciales funciona, según el crítico, como "un dardo a Donald Trump, muy poco disimulado".

El problema, planteó, está en la ejecución: "hay situaciones que son potencialmente graciosas, pero desde el guion, o desde lo que sea, es como que el brillo falta a la cita". Su veredicto fue directo: "discretita".

Faliero trazó además un paralelo con Mel Brooks —el legendario comediante y director que cumplió 100 años hace pocas semanas— y su película "La loca historia del mundo" (1981), continuada décadas después en formato serie. "Ya había fracasado Mel Brooks aquella vez, era de sus películas menos felices", apuntó, y consideró que a David le pasa "un poco lo mismo" con esa misma intención de dejar una huella revisionista sobre la historia.

La película de la semana es "La extraordinaria vida de Eleanor" (Eleanor the Great), primer largometraje dirigido por Scarlett Johansson, escrito por Tory Kamen y disponible en HBO Max. La protagoniza June Squibb —actriz nonagenaria, conocida por "Nebraska" y "Thelma"— como Eleanor Morgenstein, una mujer de 94 años que vive en Florida junto a su amiga Bessie, sobreviviente del Holocausto.

Cuando su amiga muere, Eleanor queda sola y su hija la lleva a vivir a Nueva York. Allí, empujada por esa costumbre de los hijos de organizarles actividades a los padres ancianos, termina por error en un grupo de encuentro de sobrevivientes del Holocausto. Incómoda, no encuentra mejor idea que contar las historias de su amiga como propias.

Faliero valoró el trabajo de la protagonista: "tiene una vitalidad, una gracia, un timing para la comedia; es una gran actriz". Y explicó que la mentira funciona como motor del relato: "muchas veces en la comedia el eje es la mentira y cómo sostenerla", aunque acá el mecanismo choca con "un tema muy pesado" que, tarde o temprano, deja de mirarse con ligereza.

Para el crítico, el Holocausto opera como representación más clara de algo más amplio: "la película termina hablando del dolor, y de qué hacemos con el dolor: con el propio, con el ajeno, si el dolor se puede compartir". Una trama paralela con una joven estudiante de periodismo que entrevista a Eleanor —creyendo que fue parte de esa historia— refuerza esa lectura.

Sobre la dirección, destacó la contención: "muchas veces se quieren mostrar con elementos narrativos, con movimientos de cámara, con cositas de montaje, y acá no: ella cuenta la historia y sabe que su protagonista es lo que tiene para lucirse". El balance: una primera parte más divertida y luminosa, y un desenlace "más dramático e intenso", pero "está muy bien".

El tercer título es "Bad Monkey" (el mono malo), disponible en Apple TV+, desarrollada por Bill Lawrence —creador de "Ted Lasso", que prepara su cuarta temporada, y de "Shrinking" ("Terapia sin filtro"), con Jason Segel y Harrison Ford— y basada en la novela de Carl Hiaasen. Este año, Lawrence también estrenó "Rooster", la comedia de HBO Max con Steve Carell como un escritor berreta convocado por una universidad.

El protagonista es Vince Vaughn, en el papel de Andrew Yancy, un policía suspendido y sin placa que trabaja como inspector sanitario en los Cayos de Florida. Todo arranca cuando aparece un brazo amputado que parece haber sido arrancado por un tiburón, aunque pronto se revelan otros misterios alrededor de ese hallazgo. En paralelo corre una trama ambientada en las Bahamas, con elementos folclóricos ligados al vudú y la hechicería.

"Es un policial con bastante humor, pero más policial", definió Faliero, que elogió a Vaughn como "un gran protagonista" en un registro cansado y desencajado. También señaló una arista que resuena en cualquier ciudad costera: la serie mira "cómo los códigos de construcción se pasan por arriba y se construyen edificios donde no se puede". La segunda temporada ya está confirmada.

El crítico aprovechó para dejar su reparo con la plataforma: valoró el contenido de Apple TV+, pero la calificó como "muy rústica", entre otras cosas por la falta de perfiles de usuario dentro de una misma cuenta.

Antes de las recomendaciones, y a propósito de la charla con Ángel Cappa en la mañana de LU9, Faliero —hincha de Huracán, "sufriente futbolero"— repasó el recuerdo de aquel último partido del Torneo Clausura 2009 ante Vélez, el 5 de julio en el José Amalfitani, que definió el campeonato a favor del Fortín por 1 a 0.

"El último Huracán digno", lo llamó, en referencia al equipo del tiki-tiki dirigido por Cappa. Aquel encuentro quedó grabado en la memoria del fútbol argentino: un gol mal anulado a Eduardo Domínguez, una interrupción por granizo, un penal atajado por Gastón Monzón y la infracción no cobrada a Joaquín Larrivey sobre el arquero, en la jugada previa al gol de Maximiliano Moralez.

El crítico vio el partido en un café de Boedo, lleno de hinchas de San Lorenzo alentando por Vélez. Y recordó el arbitraje de Gabriel Brazenas, que "en poco tiempo abandonó" la actividad: efectivamente, ese fue su último partido oficial; se retiró en 2010 tras no superar las pruebas físicas.

La columna cerró con dos noticias del mundo del cine que se cruzaron este lunes. Por un lado, la muerte del actor neozelandés Sam Neill, a los 78 años, en Sídney. Su familia confirmó el fallecimiento a través de las redes sociales y lo describió como "repentino e inesperado". Neill, el doctor Alan Grant de "Jurassic Park", había sido diagnosticado en 2022 con un linfoma T angioinmunoblástico, aunque al momento de su muerte estaba libre de cáncer.

Por otro, el cumpleaños número 84 de Harrison Ford, nacido el 13 de julio de 1942. Faliero subrayó la coincidencia: siempre se dijo que el Alan Grant de Neill era "una suerte de Indiana Jones moderno".

El actor neozelandés Sam Neill, recordado en todo el mundo por interpretar al paleontólogo Dr. Alan Grant en Jurassic Park (1993), murió este lunes a los 78 años en Sídney, Australia. La noticia fue confirmada por su familia, que informó que el fallecimiento fue repentino e inesperado.

Según el comunicado difundido por sus seres queridos, Neill estaba libre de cáncer al momento de su muerte, luego de haber superado un linfoma que había hecho público en los últimos años. La familia no dio a conocer las causas del fallecimiento.

Aunque construyó una carrera de más de cinco décadas y participó en más de 150 producciones, Sam Neill alcanzó la fama mundial al protagonizar Jurassic Park, la película dirigida por Steven Spielberg que revolucionó el cine en 1993. Su interpretación del Dr. Alan Grant lo convirtió en uno de los personajes más queridos de la franquicia, papel que retomó en entregas posteriores, incluida Jurassic World: Dominion.

Además de la saga de dinosaurios, Neill dejó actuaciones memorables en películas como El piano, La caza del Octubre Rojo, En la boca del miedo y Horizonte final, además de destacarse en series como Peaky Blinders y Los Tudor.

Nacido en Irlanda del Norte en 1947 y criado desde pequeño en Nueva Zelanda, Sam Neill fue considerado uno de los actores más respetados de su generación. También era reconocido por su pasión por la vitivinicultura y por compartir con humor momentos de su vida cotidiana en las redes sociales.

Con su partida, el cine despide a uno de los rostros más emblemáticos de una generación de clásicos que marcaron a millones de espectadores en todo el mundo. Su legado permanecerá para siempre en la pantalla grande, especialmente en el universo de Jurassic Park, donde su personaje quedó grabado en la memoria de varias generaciones. 

El crítico de cine Mex Faliero presentó su columna semanal de cine y series en LU9 Radio Mar del Plata y destacó dos estrenos que conviven en la cartelera local: "Minions & Monstruos", la séptima entrega del universo de "Mi Villano Favorito", y "El afinador", el debut en la ficción del director Daniel Roher con Dustin Hoffman y Leo Woodall. También recomendó la tercera temporada de la serie "Silo" y advirtió que el cine "está atravesando una etapa de mucha crisis a nivel global" en cuanto a la concurrencia del público.

La película animada de Illumination, dirigida por Pierre Coffin y estrenada en los cines el 1° de julio, sorprendió al crítico, que reconoció que el recurso de la franquicia "se agota demasiado rápido" en varias de sus entregas anteriores, aunque la taquilla acompañó siempre a una de las sagas más exitosas de Hollywood.

"Afortunadamente, en esta séptima entrega creo que encontraron algo que contar. A mí particularmente me gustó y salí muy contento del cine", aseguró Faliero.

La trama sitúa a los Minions en el Hollywood de las décadas del 20 y del 30, con un relato enmarcado en la visita guiada a un museo del cine. "Es muy cinéfila y tiene mucho guiño cinéfilo", explicó el crítico, y detalló que los personajes invaden rodajes de películas de Chaplin, Buster Keaton y Harold Lloyd, hasta que la llegada del cine sonoro les termina la carrera y deciden filmar su propia película de monstruos, con la ayuda de un libro de conjuros robado.

"La película es muy divertida, tiene muy buenos chistes. Funciona cuando avanza a fuerza de sketch, como los cartoons clásicos. Cuando tiene que contar algo, me parece que están un poco escasos de herramientas los Minions", matizó. Y concluyó: "Creo que, sin dudas, es de lo mejor de la franquicia".

Consultado sobre a quién está destinada la película, Faliero señaló que la saga "se hace cargo" de que quienes eran adolescentes cuando vieron la primera entrega hoy son padres o rondan los 30 años.

"El cine de animación contemporáneo lo aprendió, yo creo, de Toy Story en adelante: el público adulto volvió a ver cine de animación en las salas", explicó. Para el crítico, en este caso "más que lecturas e interpretaciones, hay guiños muy directos a la cinefilia", aunque el humor "está bien integrado" y los chistes funcionan incluso para quienes no reconozcan las referencias.

El otro estreno destacado fue "El afinador" (Tuner), dirigida por Daniel Roher —ganador del Oscar al Mejor Documental por "Navalny"— y protagonizada por Leo Woodall y Dustin Hoffman, quien a los 88 años regresa a la pantalla grande. "Está impecable", elogió Faliero.

La película sigue a un joven afinador de pianos con hiperacusia y oído absoluto que, cuando su mentor cae enfermo y se acumulan las deudas hospitalarias, termina involucrado con una banda dedicada a abrir cajas fuertes. "Como buen relato noir, tiene su costado moral y el tema será ver cuándo el crimen pagará o no, y cuáles serán las consecuencias", anticipó el crítico.

Faliero destacó que Roher "demuestra que sabe manejar todos los géneros que trabaja: la comedia, el policial negro, la historia de romance, y lo integra perfectamente", además de un uso de la música "muy bien integrado" para connotar los estados emocionales del protagonista. Aunque advirtió que el último acto "tiene un giro de más" que puede resultar forzado, celebró que la cartelera ofrezca "una película que apuesta a otros tiempos: a contar bien una historia, con personajes sólidos, bien narrado todo".

Eso sí, avisó entre risas: "No apta para impacientes, porque los giros se dan después del minuto 20. Tenés que acompañar a esos personajes".

Ante la pregunta sobre la caída en la concurrencia a las salas, el crítico fue categórico: "El cine está atravesando una etapa de mucha crisis a nivel global". Recordó fracasos recientes de grandes producciones de Hollywood, como "Supergirl" y "La novia" con Christian Bale.

En contrapartida, señaló el fenómeno de películas de terror de bajo presupuesto realizadas por creadores surgidos de YouTube, como "Obsession" y "Backrooms", que generaron primero audiencia en Estados Unidos y luego arrastraron al público internacional. Según detalló, "Obsession" fue "una película hecha con 700.000 dólares que recaudó como 100 veces lo que salió".

En ese contexto, mencionó que Steven Spielberg —a quien "se lo vio mucho celebrando los éxitos de Obsession"— está detrás de la producción de una película basada en la serie de relatos de terror de YouTube "The Mandela Catalogue". "Hollywood se empezó a preguntar: al final no hay que invertir 300 millones de dólares; tal vez hay que invertir menos y hacer productos que tengan un público que los acompañe", analizó, y consideró que este año y medio será "clave" con títulos como "Toy Story 5", "Spider-Man" y los propios Minions.

En el segmento de series, Faliero recomendó la tercera temporada de "Silo", la ficción de ciencia ficción de Apple TV+ protagonizada por Rebecca Ferguson y basada en las novelas de Hugh Howey, que estrenó su primer episodio el viernes pasado. La plataforma ya confirmó una cuarta temporada.

La serie plantea una humanidad al borde de la extinción, recluida en silos subterráneos. Para el crítico, "la primera temporada es muy buena, la segunda es muy floja", y esta tercera "arranca con una promesa que es romper un poco ese mundo interno medio asfixiante" al contar, en flashbacks, qué pasó antes con la humanidad. "Esa promesa nos abre el relato y nos da un poco de respiración para una historia interna que está un poco agotada en cuanto a sus giros y trama", opinó.

De todos modos, deslizó un reparo sobre el tono: "Cuando la ciencia ficción distópica se vuelve demasiado seria y solemne, a mí me expulsa un poco. Es la fantasía: chicos, jueguen un poco, sean un poco lúdicos".

Dos estrenos "excluyentes" marcan la cartelera de este fin de semana largo, según el análisis de Guillermo Colantonio en LU9 Radio Mar del Plata: el regreso de Steven Spielberg a la ciencia ficción con "El día de la revelación" y la comedia musical "Letras robadas", del irlandés John Carney.

Se trata de dos películas muy diferentes entre sí. La primera es una superproducción de gran despliegue sobre el impacto que tendría la confirmación de vida extraterrestre; la segunda, un relato íntimo sobre la música, la fama y los derechos de autor. Ambas, según el crítico, valen la entrada.

"El día de la revelación" (título original: "Disclosure Day") llega a las salas con Spielberg, ya cerca de los 80 años, de vuelta en el género que lo consagró. Colantonio la definió como "una gran ensalada de Spielberg": una película que recupera y mezcla zonas de toda su filmografía. "Hay varias películas metidas en una", resumió.

El especialista reconoció ecos de "Minority Report", "Encuentros cercanos del tercer tipo", "E.T." y "Ready Player One". La trama combina espionaje y secretos de Estado, pero, dijo, funciona como excusa para que el director vuelva a sus temas de siempre: la existencia de una inteligencia superior, su repercusión en la Tierra y el modo en que esa noticia trastoca identidades y vínculos familiares.

El veredicto fue matizado: la película "está bien, pero con algunas reservas". Aun así, Colantonio destacó el oficio del realizador —"se sostiene porque hablamos de un director que mantiene su oficio"— y el trabajo del elenco encabezado por Emily Blunt, Josh O'Connor y Colin Firth, que, señaló, "sostienen la trama".

La ficha completa: dirigida por Steven Spielberg sobre un guion de David Koepp a partir de una historia del propio Spielberg, distribuida por Universal y con un elenco que también integran Eve Hewson y Colman Domingo.

El crítico marcó un cruce llamativo con la realidad: el eje del relato —la desclasificación de archivos sobre inteligencia extraterrestre— coincidió con la reciente orden de Donald Trump de abrir documentos OVNI, algo que Colantonio interpretó como "una maniobra para distraer". Quedó claro, de todos modos, que se trata de una lectura personal del crítico y no de un dato del film.

Sobre la duración, subrayó que, pese a tratarse de una película extensa, "fluye", y que en la función a la que asistió "la gente estuvo muy atenta", sin distracciones. Su recomendación, dijo, es "hasta ahí", e invitó a que "cada uno saque sus propias conclusiones".

La segunda apuesta del fin de semana es "Letras robadas" (título original: "Power Ballad"), del irlandés John Carney. Paul Rudd interpreta a un músico que se gana la vida cantando en casamientos en Dublín: sin un sustento económico importante, pero apasionado por componer, nunca logró dar el gran salto.

Todo cambia cuando, en una boda, se cruza con una joven estrella —Nick Jonas, en un papel que dialoga con su propia carrera real—. En medio de una noche de excesos, le muestra una canción que el personaje de Jonas termina apropiándose para levantar su alicaída fama. A partir de ahí, contó Colantonio, la trama se construye sobre el conflicto de derechos de autor entre un trabajador anónimo y una megaestrella que relanza su carrera sin reconocer de dónde salió el hit.

Para el crítico, es una película "simpática" que sostiene la marca registrada de Carney, el director de "Once", "Puede una canción de amor cambiar tu vida" ("Begin Again") y "Flora and Son". En todas, explicó, "las tramas se piensan a partir de canciones", y muchas funcionan como "un dispositivo de resistencia ante la precariedad social, la soledad y los problemas familiares".

Colantonio también ponderó la música: hay "una versión espectacular" de una canción de Stevie Wonder interpretada por ambos protagonistas, en línea con la costumbre del director de combinar temas propios —cantados por sus actores— con clásicos consagrados. "La van a pasar bien y van a escuchar muy buena música", cerró sobre el film, que dura 98 minutos.

El esperado regreso de He-Man a la pantalla grande llegó esta semana a las salas y, según el crítico Mex Faliero, dejó sensaciones encontradas: una propuesta que "se hace cargo" de cuatro décadas de burlas y memes, pero que en su resultado final no termina de despegar. "La suma de sus partes son muy atractivas, pero a veces el resultado final no lo es tanto", resumió en su columna Fun Cinema por LU9.

Faliero completó su repaso con dos lanzamientos de plataformas: "Máximo placer garantizado", el thriller con elementos de comedia negra protagonizado por Tatiana Maslany en Apple TV+, y "Turbulencia en la oficina", la comedia romántica de Netflix que marca el regreso de Jennifer López al género, junto al actor y guionista británico Brett Goldstein.

La nueva versión cinematográfica de He-Man —"Masters of the Universe", titulada "Amos del Universo" en Latinoamérica— llegó a las salas este jueves dirigida por Travis Knight, con Nicholas Galitzine como el príncipe Adam/He-Man, Idris Elba en la piel de Man-At-Arms (Duncan) y Jared Leto como Skeletor.

El proyecto tardó años en concretarse y carga con una larga historia previa. Faliero recordó que el personaje reinó en los dibujos animados de los 80 como punta de lanza de una corriente de fantasía, hechiceros y brujas, y repasó el antecedente del recordado fracaso de la adaptación de 1987, con Dolph Lundgren como He-Man y Frank Langella como Skeletor, una película que, según el crítico, sepultó las posibilidades del personaje por fuera de la animación.

Sobre la nueva entrega, Faliero señaló que la película "se hace cargo" de las burlas, los memes y la lectura paródica que rodearon al universo de He-Man durante cuatro décadas, y que "lo absorbe todo y lo tira a la parrilla". El conflicto central, comparó, está cerca del de Superman: de niño Adam llega a la Tierra y, años después, debe volver a su Eternia natal para descubrir poderes que desconocía.

Entre los reparos, apuntó a la duración —cerca de dos horas y veinte— que se siente "muy estirada", y a la tendencia actual a justificar a los villanos. En ese punto destacó un gesto de autoconciencia del film: en una escena, el gran antagonista le recuerda a He-Man, sin vueltas, "yo soy el villano, yo soy el malo". Su veredicto: una aventura simple que funciona sobre todo para quienes tienen un vínculo previo con el personaje, "más interesante para charlarla que tal vez para verla".

El crítico aportó además una postal local: contó que en la función a la que asistió el jueves la sala estaba poblada de "cuarentones y cincuentones", sin un solo niño, y que el cine sumó al clima nostálgico un muñeco gigante de He-Man en el hall, junto al escudo, la espada y una peluca del personaje para que el público se sacara fotos.

El segundo título de la columna fue "Máximo placer garantizado" (también difundida como "Satisfacción garantizada"), la serie de Apple TV+ que se estrenó hace algunas semanas y avanza con un capítulo por semana, modalidad que Faliero celebró: "odio los maratones; a mí me gusta el capítulo semanal", afirmó.

Protagonizada por Tatiana Maslany, a quien describió como "una buena actriz de comedia que ha incursionado en el terror", la ficción combina comedia con elementos de thriller. El crítico elogió especialmente la escena inicial: una mujer conversa con alguien a través de una computadora en lo que parece un intercambio íntimo y termina revelándose como una sesión con un hombre que se exhibe ante cámara.

A partir de ahí se dispara la trama. Mientras la protagonista atraviesa un divorcio y un conflicto por la tenencia de su hija, ese contacto deriva en una situación criminal —un supuesto secuestro y un pedido de dinero— que la obliga a recurrir a la policía y la arrastra a un juego psicológico de gato y ratón con un asesino al que no conoce.

Faliero leyó la serie como un homenaje al cine de suspenso de Brian De Palma y Alfred Hitchcock, y valoró que maneja bien todos sus registros: "cuando tiene que ser graciosa es graciosa y cuando tiene que sostener el suspenso lo hace muy bien". Recomendó la plataforma, aunque deslizó una crítica al funcionamiento técnico de la aplicación de Apple TV, sobre todo para enviar contenido al televisor y para el manejo de perfiles.

El cierre estuvo dedicado a "Turbulencia en la oficina" ("Office Romance"), la comedia romántica de Netflix protagonizada por Jennifer López y Brett Goldstein, que también firma el guion. López interpreta a Jackie Cruz, la dueña y CEO de una aerolínea que prohíbe los romances entre empleados; Goldstein, al abogado de la empresa con quien surge una atracción que ambos intentan ocultar.

Para Faliero, el film aparece en el marco del regreso de un subgénero —la comedia romántica— que, dijo, "fue el que más perdió" en el cine de los últimos años y que hoy reflotan sobre todo las plataformas. Ubicó a Jennifer López como una de sus exponentes que viene insistiendo con el género.

Su balance fue dividido. Rescató la mirada británica y los apuntes de humor de Goldstein sobre el mundo laboral y los vínculos de oficina, pero fue lapidario con la pata romántica de la historia, que calificó como lo más flojo de la película. El resultado, para el crítico, es una propuesta "discreta".

Faliero subrayó el peso de Goldstein por fuera de la pantalla: lo definió como un buen comediante y, sobre todo, como guionista, y recordó su trabajo en "Ted Lasso" y en "Terapia sin filtro" ("Shrinking"), junto a Harrison Ford y Jason Segel, ambas también de Apple TV+.

La 23ª edición del Festival Nacional de Cine de Tandil ya abrió su convocatoria para películas nacionales de ficción y documental. El certamen, que se desarrollará del 17 al 24 de octubre de 2026, seleccionará diez producciones para competir por los premios Centinela al Cine Nacional y otros galardones paralelos.

Dedicado exclusivamente al cine nacional, con una perspectiva federal, Tandil Cine busca promover obras con propuestas artísticas, técnicas y narrativas innovadoras, al tiempo que impulsa nuevas miradas y fomenta la formación de públicos. La edición 2026 contará con secciones no competitivas, competencias de largometrajes y cortometrajes de ficción, documental y animación, además de la sección “Panorama Tandil”, destinada a producciones locales. También habrá secciones no competitivas de la producción audiovisual argentina.

Podrán participar películas nacionales realizadas a partir del 1° de enero de 2025 que no hayan competido en ediciones anteriores del festival. La inscripción estará abierta hasta el 31 de julio de 2026 a través de la plataforma FilmFreeway (filmfreeway.com/TandilCine). Las obras seleccionadas se anunciarán el 1° de septiembre y serán evaluadas por un jurado integrado por referentes del cine nacional y local. El Festival otorgará premios en distintas categorías, entre ellas Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Actuación.

Tandil Cine, que este año celebra 25 años de trayectoria, es organizado por la Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires y el Municipio de Tandil, con el acompañamiento de la Biblioteca Popular Bernardino Rivadavia y el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. Desde su creación en 2001, el certamen ha sostenido una trayectoria ininterrumpida. Desde 2014, además, cuenta con la posibilidad de proyectar películas en una de las pantallas más grandes de la provincia de Buenos Aires, ubicada en el Espacio Incaa Unicen, y desde 2025 sumó un nuevo espacio de encuentro en el Multicultural municipal.

La propuesta se sostiene gracias al trabajo conjunto de la Universidad, el Municipio y los diversos actores que impulsaron su organización, potenciando el crecimiento de Tandil como polo audiovisual y fortaleciendo iniciativas culturales que también dinamizan al entramado productivo local.  A lo largo de este cuarto de siglo, se consolidó como uno de los festivales de cine más importantes del interior del país y como un espacio fundamental para la difusión de la producción audiovisual argentina con el objetivo de “ampliar la mirada”.

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Netflix volvió a apostar fuerte por uno de los clásicos más importantes del cine argentino. La plataforma confirmó el inicio del rodaje de la nueva versión de “Nueve reinas”, la mítica película protagonizada originalmente por Ricardo Darín y Gastón Pauls. Esta vez, la historia llegará en formato serie y contará con un elenco encabezado por Álvaro Morte, Patrick Criado y José Coronado.

La producción ya comenzó a filmarse en Madrid y promete convertirse en uno de los grandes lanzamientos internacionales de Netflix. El proyecto buscará expandir el universo narrativo creado por Fabián Bielinsky y actualizar la trama al contexto social y económico de España durante la crisis de 2012.

La nueva adaptación de “Nueve reinas” estará ambientada en el Madrid de 2012, en plena crisis económica. Allí aparece Marcos, interpretado por Álvaro Morte, un experimentado estafador que se cruza con Juan, un joven desesperado por la falta de dinero y encarnado por Patrick Criado.

Lo que comienza como una serie de pequeños engaños callejeros rápidamente escala hasta transformarse en un golpe millonario. Ambos intentarán vender unas legendarias estampillas falsas conocidas como “las nueve reinas” a un poderoso magnate interpretado por José Coronado.

Según adelantó Netflix, la serie mantendrá el espíritu del thriller original, pero sumará nuevas capas dramáticas y profundizará las relaciones entre los protagonistas. La adaptación también pondrá el foco en una sociedad golpeada por la crisis, donde la línea entre víctimas y estafadores parece desaparecer.

Uno de los grandes atractivos del proyecto será la participación de José Coronado, uno de los actores más reconocidos de España gracias a producciones como “Entrevías” y “Legado”.

El elenco también incluye a Álvaro Morte, recordado mundialmente por su papel en “La casa de papel”, y Patrick Criado, otra de las figuras destacadas de las ficciones españolas recientes.

Además, completan el reparto Aura Garrido y Margarida Corceiro. La serie fue creada por Xosé Morais y Víctor Sierra, mientras que la dirección estará a cargo de Álex Rodrigo y Jorge Saavedra.

A pocos meses de que Star Wars celebre medio siglo de existencia, el periodista de cine y series Julián Servín visitó los estudios de LU9 Radio Mar del Plata con una propuesta para quienes nunca se animaron a meterse en la saga o se quedaron en el camino: una guía completa para ordenar el visionado y aprovechar el aluvión de estrenos que se espera para 2026.

La recomendación llega en un momento clave para la franquicia, ya que la semana pasada se estrenó en cines The Mandalorian and Grogu, el primer regreso de Star Wars a la pantalla grande después de siete años. "Es una película en donde le presenta uno que es completamente ajeno a la saga", destacó Servín, quien aseguró que el filme funciona como puerta de entrada porque "no hace falta ver nada de lo que hay previamente para entender el vínculo entre el mandaloriano y el que se conoce como popularmente baby Yoda".

Para Servín, el punto de partida ideal no es una película sino una serie. Se trata de Andor, protagonizada por Diego Luna, que cuenta con dos temporadas de 12 capítulos cada una y que el especialista definió como "la serie de Star Wars menos Star Wars que existe".

La producción narra los orígenes de la rebelión contra el Imperio y se anima a un tono inédito dentro del universo creado por George Lucas. "Es la serie más oscura de Star Wars, porque ves verdaderamente un momento de genocidio total", explicó el columnista, que advirtió que, aunque la historia esté "maquillada con algún que otro alienígena, rayos láser y demás", el trasfondo es "muy crudo, muy duro".

Servín destacó además la construcción moral de los personajes, que pelean por causas que probablemente no lleguen a ver concretadas. Citó una frase central de la serie: "estoy peleando por un amanecer que ni siquiera voy a ver". Según el periodista, Andor muestra a los héroes silenciosos que hicieron posible la rebelión: "te muestra que hubo para que ellos pudieran volar, otros tuvieron que correr antes".

La guía propuesta por Servín establece una secuencia clara. Tras ver Andor, recomienda continuar con Rogue One, la primera película considerada spin off del universo Star Wars, en la que los personajes presentados en la serie intentan robar los planos de la Estrella de la Muerte.

"La película termina y automáticamente tenemos la primera escena de episodio cuatro, la primera película de Star Wars", señaló el especialista. A partir de ahí, su recomendación es ver la trilogía original (episodios 4, 5 y 6) y, recién después, las precuelas (episodios 1, 2 y 3).

El columnista reconoció que su orden de visionado no es el cronológico de los hechos, sino el del estreno original: "soy muy conservador en lo que es el universo de Star Wars". Y defendió esa lógica con un argumento narrativo: "Star Wars, ya desde su concepción en su narrativa, es atemporal. Es como Rayuela, por decirlo de alguna manera".

Una vez completada esta base, Servín abre el abanico a otras producciones para los espectadores que quedan "manija" y piden más contenido. Entre las opciones disponibles mencionó The Mandalorian, Ahsoka y las series animadas, que según el periodista son "muy variadas, pero son espectaculares".

El columnista anticipó que 2026 traerá numerosos anuncios vinculados al aniversario número 50 de la franquicia, por lo que considera que es un buen momento para ponerse al día con el material disponible.

Al cierre de su columna, Servín hizo una definición que sintetiza el peso cultural de la franquicia: "no es la mejor saga de la historia del cine, pero sí es la más importante. No existe saga más importante que Star Wars".

El especialista fundamentó esa afirmación en el impacto que la creación de George Lucas tuvo más allá de la pantalla: el inicio de las grandes convenciones de fanáticos, el desarrollo del merchandising como industria asociada al cine y el modelo de marketing que después replicaron otras franquicias. "Hay un hito en lo que es el universo Star Wars", remarcó.

Con el fin de semana largo por delante, Servín dejó la invitación abierta para los oyentes de LU9: "tenés viernes a la noche, sábado o domingo y el lunes feriado, ponete porque sino no te dan los días".

(España/2026) Serie. Temporada 1. 8 Episodios. Netflix

Creada por Esther Martínez Lobato y Álex Pina, con Pedro Alonso y Michelle Jenner, recupera al personaje más seductor de "La casa de papel" en otro golpe, el robo de una obra de Da Vinci. Joyas, lujo y traiciones acompañan su elegante vocación por el delito.

Menos urgencia y más glamour en este spin-off en el que importa tanto el robo como el placer de ejecutarlo. Funciona como expansión del mito y confirma que Berlín siempre fue más interesante que el atraco.

En síntesis: Estilo, delito, carisma.

(Estados Unidos/2026) Serie. Temporada 1. 8 Episodios. Netflix

Creada por Jeffrey Addiss y Will Matthews, con Alfred Molina y Geena Davis, propone una comunidad de jubilados donde la rutina se quiebra con una amenaza sobrenatural. Entre pasillos prolijos y vecinos cordiales, el verdadero enemigo parece ser el tiempo.

La gracia está en invertir la lógica habitual del género: aquí no corren adolescentes sino veteranos con memoria, ironía y cuentas pendientes. Ese cambio de perspectiva le da espesor y una melancolía poco frecuente.

En síntesis: Vejez, misterio, resistencia.

(Colombia/2026) Serie Documental. 3 Episodios. Netflix

Protagonizada por el futbolista colombiano James Rodríguez y dirigida por Simón Brand, recorre su vida desde sus inicios hasta la explosión en Brasil 2014, pasando por Real Madrid y Bayern Munich, y el peso de sostener una figura convertida en símbolo nacional.

Más que una celebración deportiva, retrata a un talento atravesado por la expectativa ajena. Entre goles, lesiones y críticas aparece el hombre detrás del ídolo: alguien obligado a convivir con su propia leyenda.

En síntesis: Gloria, presión, legado.

("Maximum Pleasure Guaranteed", EE.UU/2026) Serie. Temporada 1. 8 Episodios. Apple TV+

Creada por David J. Rosen, con Tatiana Maslany, sigue a una mujer atrapada entre la vida doméstica y una deriva criminal inesperada ligada al negocio del placer digital. El thriller convive con una comedia incómoda y bastante ácida.

Funciona mejor cuando abraza el absurdo y deja que su protagonista se vuelva imprevisible. No busca moralizar sino mostrar cómo el deseo, el dinero y la mentira suelen entrar por la misma puerta.

En síntesis: Riesgo, humor, vértigo.

(Argentina-Uruguay/2026)

Dirigida por Juan Taratuto, con Gael García Bernal y Natalia Oreiro, sigue a dos ejecutivos de una multinacional alimenticia que se conocen durante un viaje laboral en el Caribe, en medio de una crisis personal y empresarial. Ya en Uruguay, esa conexión inesperada empieza a alterar sus certezas.

Con tono íntimo y sin estridencias, la película se apoya en los matices emocionales y en la química de sus protagonistas.

En síntesis: Deseo, crisis, elección.

(Argentina/2026)

Juan Cabral y Santiago Franco reconstruyen el triunfo de Argentina frente a Inglaterra en México 86, cruzando la Mano de Dios y el Gol del Siglo con la memoria de Malvinas y una revancha emocional colectiva.

Se vale de archivos inéditos y testimonios de ambos bandos para transformar un partido histórico en un relato político y humano. Para recordar.

En síntesis: Épico, sensible, revelador.

(EE.UU./2026)

Jon Favreau lleva al cine a Din Djarin y Grogu en una aventura que enfrenta restos del Imperio y nuevos señores de la guerra dentro de la Nueva República.

Más que un spin-off, marca el regreso formal de Star Wars a salas con Pedro Pascal al frente y una apuesta a la épica clásica. Para fanáticos.

En síntesis: Nostálgica, expansiva, contundente.

La actriz y directora María Carreras anunció el regreso de "El Conventillo de la Paloma" a la cartelera marplatense. La función será este sábado a las 20:00 en la Sala Payró del Teatro Auditorium, en el marco del fin de semana largo, con un elenco íntegramente local.

Se trata de una versión en formato de sainete musical, con 30 artistas en escena, músicos en vivo, ballet y números corales que recuperan el clásico de Alberto Vacarezza. "Es una fiesta, el público sale bailando con los actores hasta el ascensor del Payró", definió Carreras en diálogo con LU9 Radio Mar del Plata.

La puesta reúne actores, músicos y bailarines de la ciudad. En esta oportunidad se suma Natalia Bols con su ballet de ocho bailarinas, el conjunto Alborada de gaitas, Los Franco en música y Susana Cruz en canto, junto a los intérpretes que dan vida a los personajes del conventillo escrito por Vacarezza.

Carreras destacó el espíritu colectivo del proyecto: "no ir a la competencia sino al equipo, a la sinergia, al sumar, al que todos aporten y todos se luzcan". La directora subrayó que el teatro independiente conserva una dinámica artesanal y que cada elenco "pasa a ser también una familia".

La obra está codirigida junto a su hermana Victoria Carreras, quien fue la impulsora original del proyecto. "Victoria es la que tiene la idea de decir vamos a hacer esta obra, ahora vamos a hacerla en sainete musical", contó María, y recordó que la propuesta retoma una idea que su padre, el director Enrique Carreras, había pensado originalmente para el cine.

Sobre el reparto de tareas en la dirección, explicó que su hermana trabajó más la dirección de actores mientras ella se ocupó del montaje, las luces, la escenografía y la coreografía, ya que Victoria también está en escena interpretando a "la gallega", un personaje que según María tiene "reminiscencias de Niní Marshall".

Hija de los directores y actores Enrique y Mercedes Carreras, María repasó cómo construyó su propio camino dentro de una familia con fuerte tradición teatral y audiovisual. "De chica yo vi cómo se trabajaba, cómo venían los guionistas", relató, y contó que arrancó "con mucha inconsciencia, propia de la adolescencia", actuando, dirigiendo y escribiendo en paralelo a los trabajos junto a su padre.

La directora señaló que cada integrante de la familia fue encontrando su lugar: Victoria se desarrolló como actriz, directora y creadora audiovisual con cuatro cortometrajes realizados, mientras que Marisa Carreras hoy se dedica a la producción de espectáculos ligados al mundo del tango. "Cada uno fue buscando por dónde podría abrirse camino, escuchándose y siendo fiel a lo que uno es", reflexionó.

Consultada sobre el perfil del espectáculo, Carreras aseguró que se trata de una propuesta apta para todas las edades. "Se convierte en una experiencia. Ahora se habla de experimentar, de vivenciar, y eso es lo que estamos haciendo con el conventillo", planteó.

La directora insistió en el carácter festivo de la obra y en la posibilidad de que el espectador "se transporte en el tiempo", pase un buen momento o se detenga a pensar en cuestiones que habitualmente no se aborda. "Eso es lo que más me entusiasma", afirmó.

"El Conventillo de la Paloma", en versión sainete musical, se presentará el sábado a las 20:00 en la Sala Payró del Teatro Auditorium de Mar del Plata. La función contará con músicos en vivo y 30 artistas en escena.

En la 16 edición de 24 horas de Cine Nacional, que se desarrolla en el marco del 38 Festival Internacional de Cine, se proyectará el cortometraje marplatense "Los últimos", el martes 7 de noviembre a las 16,20, en la sala de la Asociación Bancaria y con entrada gratuita.En diálogo con LU9 Radio Mar del Plata, Omar Magrini, guionista y realizador audiovisual, comentó: "Con mucha alegría y gratificación marplatense, este año hay algunas películas que han podido ser parte de la grilla, lo que es muy importante porque no es sencillo porque el festival tiene sus exigencias y características, de modo que para nosotros es un gran halago".Por lo que el objetivo es "ver si podemos estar a la altura de representar estéticamente a la ciudad con esta película", señaló.La proyección será "en la sala Arturo Jauretche en la Bancaria, mañana a partir de las 16 comienza una función especial de cine nacional, son 24hs divididas en tres jornadas que comenzó hoy. Todo con representación de actores nacionales", declaró.Escuchá la nota completa a Omar Magrini, guionista y realizador audiovisual: