El actor Christopher Lambert, conocido por su papel en la saga de ciencia ficción Highlander, sufrió una descompensación mientras asistía a un festival de fanáticos en Pittsburgh.

La situación de emergencia ocurrió en la convención anual Steel City Comic-Con cuando el actor, que tiene 69 años, firmaba autógrafos para sus fans.

De acuerdo a lo que declaró un testigo al medio TMZ, Lambert “se desplomó de manera repentina”. Minutos después, tuvo que ser trasladado en ambulancia a un centro de salud local.

Luego del episodio, la convención tuvo que emitir un comunicado en el que aclaró lo ocurrido con la figura de la saga de ciencia ficción.

“Lambert tuvo que abandonar el evento debido a un problema personal”, expresaron. Además, la convención de cómics y cultura pop también anunció la cancelación de la sesión de fotos de fans con Lambert que tenían pautada.

Un representante de la estrella de Mortal Kombat y Highlander habló con TMZ para llevar tranquilidad: el actor se encuentra “perfectamente bien” y descansando en su habitación de hotel, luego de lo que le pasó.

El vocero del actor afirmó que Lambert no durmió lo suficiente la noche anterior a la convención y que no comió mucho durante el día, lo que provocó una baja de azúcar en sangre.

No es la primera vez que Lambert sufre una situación similar. En 2025, tuvo un susto cuando se lesionó la espalda al caerse por las escaleras del hotel en el que estaba.

Debido a la gravedad de la lesión, la estrella de Highlander tuvo que cancelar su aparición en el festival sueco SciFiWorld, que se hizo en marzo.

“Como actor, rodar y promocionar sus películas es una prioridad absoluta, y siempre lo ha sido, y siente el mayor respeto por las personas que organizan eventos y por los fans que asisten. Lamentablemente, esta vez no podrá asistir a la Comic-Con”, aseguraron sus representantes en aquel momento.

Christopher Lambert se hizo muy famoso en la década del 80 y del 90 por el personaje central de la saga de Highlander, en la que también trabajó Sean Connery. El segundo film de aquella historia se grabó en la Argentina.

Además de esta saga, Lambert se hizo muy popular entre los fanáticos de los videojuegos por encarnar a uno de los personajes centrales en el primer film de Mortal Kombat. (TN)

El mundo del espectáculo despidió a Ben Jones, el actor estadounidense que se hizo célebre en todo el planeta por interpretar a Cooter Davenport, el entrañable mecánico de Los Dukes de Hazzard. Tenía 84 años y murió este domingo tras sufrir un infarto masivo, según confirmó su esposa, Alma Viator, a través de un mensaje en redes sociales.

Viator, con quien Jones estuvo casado durante más de tres décadas, contó que el actor se descompensó mientras descansaba en su sillón favorito, esperando para ver un partido de su querido equipo de béisbol, los Atlanta Braves. En su despedida lo recordó como el amor de su vida y destacó la vida plena y feliz que llevó.

Nacido como Ben Lewis Jones el 30 de agosto de 1941 en Tarboro, Carolina del Norte, y criado en Portsmouth, Virginia, el actor alcanzó la fama mundial cuando fue elegido para encarnar a "Crazy" Cooter Davenport, el mecánico del condado de Hazzard y aliado incondicional de los primos Bo y Luke Duke. Interpretó al personaje en las siete temporadas originales de la serie, que se emitió por la cadena CBS entre 1979 y 1985.

Cooter, considerado un "Duke honorario", se convirtió en uno de los favoritos del público por su costado rebelde y pícaro, y por su taller ubicado justo enfrente de la comisaría, desde donde seguía de cerca los movimientos de la familia Duke. Jones apareció en 142 episodios junto a un elenco que integraban, entre otros, Tom Wopat, John Schneider, Catherine Bach, Denver Pyle y Sorrell Booke. Años más tarde volvió a ponerse en la piel del personaje en la película para televisión "Reunión" (1997) y en el especial "Hazzard en Hollywood" (2000).

Pero la vida de Jones excedió largamente a la pantalla. Tras presidir la filial de Georgia del sindicato de actores y encabezar la Comisión de Cine de ese estado, ganó en 1988 la banca por el Cuarto Distrito del Congreso de Georgia y fue reelecto en 1990. Como legislador demócrata, integró los comités de Asuntos de Veteranos y de Obras Públicas y Transporte, y llegó a ejercer como whip de su bancada. En 1994 se enfrentó sin éxito a Newt Gingrich, y en 2002 volvió a intentar regresar al Congreso, esta vez cayendo ante Eric Cantor.

Fuera de la política, Jones también tuvo papeles en films como "Primary Colors" (1998) y "Joe Gould's Secret" (2000), y en 1999 abrió junto a su esposa "Cooter's", un museo y tienda dedicados a homenajear a la serie que lo hizo famoso. En 2007 publicó sus memorias, "Redneck Boy in the Promised Land", donde repasó su vida y habló abiertamente de su lucha contra el alcoholismo.

Su colega y compañero de elenco Tom Wopat, que interpretaba a Luke Duke, lo despidió con un sentido mensaje en el que lo definió como un gran amigo y un ferviente defensor de lo mejor del mundo del entretenimiento, y aseguró que sentía como si el elenco hubiera perdido a un primo Duke.

El poema griego más antiguo de la tradición occidental volvió a la conversación cotidiana por el estreno cinematográfico del año, y esta semana también llegó a la radio. En su columna de los viernes por LU9, el escritor y periodista marplatense Raly Haurat propuso leer "La Odisea" por fuera del recuerdo escolar: como una historia que sigue explicando el presente y que dejó marcas concretas en el tango y en el rock argentino.

Haurat armó el recorrido cruzando tres lenguajes: literatura, música y cine. Sostuvo que el texto conserva vigencia "más allá de que fue escrito hace 3.000 años" y que en el mundo griego "aparece casi todo lo que nos va a pasar", desde la contrariedad hasta el deseo de volver a un lugar y no poder.

El columnista repasó el episodio que abre la historia: la guerra de Troya y la estratagema del caballo de madera, presentado como ofrenda. Según relató, dentro de la estructura iban unos cuarenta soldados que esperaron la noche: "por la noche salen del caballo, abren las compuertas y hacen un desastre".

De ahí, explicó, la expresión sobrevive en el habla diaria como sinónimo de engaño encubierto bajo la forma de un regalo. Haurat también recordó que muchos nombres cambiaron al pasar de Grecia a Roma —Odiseo se volvió Ulises, Dioniso se volvió Baco— con una humorada: "en los romanos le han robado el copyright".

El eje de la obra, marcó, no es la guerra sino la vuelta: diez años de guerra y otros diez de regreso a Ítaca, con el mar convertido en obstáculo por la enemistad de Poseidón, el Neptuno de los romanos.

En ese periplo aparecen la isla del cíclope Polifemo y el paso frente a las sirenas. Haurat se detuvo en ese pasaje porque, dijo, funciona como una metáfora que sigue en uso: el canto "además de ser agudo, te traía verdades", una experiencia que comparó con "sentarse en el diván". Odiseo pide ser atado al palo del barco para escuchar sin sucumbir.

Y trasladó la imagen al presente: cuando alguien advierte "guarda de ir detrás de los cantos de sirena", suele hacerlo pensando en algo tentador y positivo, cuando en el origen del mito era exactamente lo contrario.

El bloque musical incluyó una versión en vivo de "Penélope", de Joan Manuel Serrat, para entrar en la figura de la mujer que espera veinte años tejiendo de día y destejiendo de noche, mientras crecen los pretendientes que buscan reemplazar a Odiseo.

Ahí el columnista dejó una de las frases más comentadas de la emisión: "el que espera también viaja". Aun sin moverse del lugar, argumentó, quien aguarda imagina escenarios y recorre un trayecto propio, un mecanismo que la literatura repite una y otra vez porque el desencuentro es lo que más atrae al lector.

Haurat también explicó por qué el "Ulises" de James Joyce arrastra fama de lectura inaccesible, algo que comparó con "subir al Everest": la novela condensa la acción en un solo día y apuesta al monólogo interior, un recurso que describió como "un pensamiento caótico" muy difícil de sostener. Por eso, señaló, "salvo Saramago, son pocos los escritores que se animaron a ese género".

El tramo final del recorrido fue argentino. El columnista recordó que la tradición local también llevó los nombres griegos y latinos a la música popular: los hermanos Homero y Virgilio Expósito, y Homero Manzi, el santiagueño autor de la letra de "Sur".

Después se detuvo en "Homero", el tema de Viejas Locas incluido en el disco "Especial" (1999). Allí, dijo, la cuestión homérica aparece transformada en una historia "barroca" y "muy kafkiana", algo que no termina de resolverse: "no va a haber cíclopes, ni maremotos, ni va a estar Neptuno, pero sí va a estar la vida de ese final de los 90, el final del menemismo".

El cierre fue para David Lebón, que en los 70 integró junto a Rinaldo Rafanelli y Juan Rodríguez el trío Polifemo, bautizado como el cíclope de la Odisea. Su simple más recordado, "Suéltate rock and roll", fue regrabado en "Lebón & Co." (2019), el álbum producido por Gabriel Pedernera —baterista de Eruca Sativa— que ganó seis premios Gardel en 2020, incluido el Gardel de Oro.

Para Haurat, ese dato dice algo sobre una época: "en esa década del 70 no solamente había discos en las mesas, sino también libros". Y remató con una recomendación para los oyentes: "fíjate las cosas que leían también entonces los rockeros de ese momento".

La columna llegó a la Odisea por la vía del cine. "La Odisea", escrita y dirigida por Christopher Nolan, se estrenó en la Argentina el jueves 16 de julio, con distribución de UIP y una duración de 173 minutos. Está protagonizada por Matt Damon como Odiseo, junto a Tom Holland, Anne Hathaway, Charlize Theron, Zendaya, Robert Pattinson y Lupita Nyong'o.

Haurat advirtió que quienes vayan a la sala pueden ganar mucho repasando antes la historia, porque la película "es todo acción" y no se detiene a explicar el mito. Y dejó la puerta abierta al libro para quienes quieran ir a la fuente.

El actor neozelandés Sam Neill, recordado en todo el mundo por interpretar al paleontólogo Dr. Alan Grant en Jurassic Park (1993), murió este lunes a los 78 años en Sídney, Australia. La noticia fue confirmada por su familia, que informó que el fallecimiento fue repentino e inesperado.

Según el comunicado difundido por sus seres queridos, Neill estaba libre de cáncer al momento de su muerte, luego de haber superado un linfoma que había hecho público en los últimos años. La familia no dio a conocer las causas del fallecimiento.

Aunque construyó una carrera de más de cinco décadas y participó en más de 150 producciones, Sam Neill alcanzó la fama mundial al protagonizar Jurassic Park, la película dirigida por Steven Spielberg que revolucionó el cine en 1993. Su interpretación del Dr. Alan Grant lo convirtió en uno de los personajes más queridos de la franquicia, papel que retomó en entregas posteriores, incluida Jurassic World: Dominion.

Además de la saga de dinosaurios, Neill dejó actuaciones memorables en películas como El piano, La caza del Octubre Rojo, En la boca del miedo y Horizonte final, además de destacarse en series como Peaky Blinders y Los Tudor.

Nacido en Irlanda del Norte en 1947 y criado desde pequeño en Nueva Zelanda, Sam Neill fue considerado uno de los actores más respetados de su generación. También era reconocido por su pasión por la vitivinicultura y por compartir con humor momentos de su vida cotidiana en las redes sociales.

Con su partida, el cine despide a uno de los rostros más emblemáticos de una generación de clásicos que marcaron a millones de espectadores en todo el mundo. Su legado permanecerá para siempre en la pantalla grande, especialmente en el universo de Jurassic Park, donde su personaje quedó grabado en la memoria de varias generaciones. 

Tras el fallecimiento de la cantante Bonnie Tyler, su pieza más recordada "Total Eclipse of the Heart" volvió a ponerse sobre la mesa y trajo nuevamente a escena su última aparición en vivo, registrada en el mítico Shepherd's Bush Empire de Londres.

La artista galesa, de 75 años, falleció ayer en Portugal debido a las complicaciones de salud que arrastraba desde abril, cuando una cirugía de urgencia obligó a cancelar su agenda. Su deceso marca el fin de una era para el pop-rock de los 80 que marcó el legado una de las baladas más intensas y universales de la historia de la música.

No obstante, la última imagen de la artista impregnó las retinas de sus seguidores con la interpretación de su mayor éxito, que ocurrió el pasado 19 de marzo, en el Shepherd's Bush Empire de Londres, donde Tyler cerró su recital con el tema que definió su trayectoria.

Ante un público entregado y visiblemente conmovida, la cantante selló su carrera con una interpretación magistral, sin saber que sería su despedida definitiva de los escenarios antes de que su salud se deteriorara semanas más tarde.

Lanzada el 11 de febrero de 1983, la canción fue escrita y producida por el legendario Jim Steinman que la concibió para un musical basado en la novela "Nosferatu" bajo el título tentativo de "Vampires in Love", lo que explica su atmósfera dramática y teatral.

El éxito fue inmediato y avasallador: alcanzó el número uno en los rankings de Estados Unidos, Reino Unido, Canadá y Australia y se consolidó como la cima comercial de la carrera de la artista.

La vigencia del single atravesó más de cuatro décadas, superó los 1.000 millones de reproducciones en Spotify, un hito que fue oficialmente reconocido este mismo año y así, afirmó que su música trascendió a las generaciones de los 80.

Bonnie Tyler atravesó un proceso difícil desde abril pasado, tras una cirugía de emergencia, por lo que su equipo mantuvo un hermetismo prudente sobre el diagnóstico preciso, pero la gravedad del cuadro médico impidió cualquier retorno a los escenarios.

La convocatoria al 12° Festival FUNCIMEMA cerró en las últimas horas, con un total de 400 producciones (entre largos, medios y cortos) provenientes de 44 países. Se trata de una cifra récord para el certamen, lo que simboliza el interés que la fecha va despertando con el paso de sus ediciones.

Como es habitual, la actividad principal se desarrollará en el Museo MAR (López de Gómara y la costa), pero también habrá proyecciones en la Sala Nachman (avenida Patricio Peralta Ramos 2280) y en El Galpón de las Artes (Jujuy 2755). Todas las proyecciones serán con entrada gratuita (en El Galpón de las Artes serán a la gorra).

La programación del 12° FUNCINEMA estará integrada por largometrajes, medios y cortos que se verán en secciones paralelas y en la tradicional Competencia Internacional de Cortometrajes. Como es habitual, se contará con la presencia de un jurado que elegirá lo mejor de la competencia, además del voto del público y la presencia de la empresa Pochoclo Rental con un premio especial para los cortos argentinos en exhibición.

El equipo de programación se encuentra abocado a la selección del material que conformará la programación, la cual será difundido en próximas semanas, como así también el nombre de los jurados.

Organizado por el staff de la web marplatense www.funcinema.com.ar, el Festival Internacional de Cine de Comedia – FUNCINEMA cuenta con el aval del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), el apoyo del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y ha sido declarado de interés turístico y cultural por el Ente Municipal de Turismo y Cultura (EMTURyC).

Para mayor información por favor contactarse a funcinemacine@gmail.com

Mar del Plata comenzó a transitar el camino hacia la 41ª edición del Festival Internacional de Cine con la presentación de su nuevo directorio y el lanzamiento exclusivo del spot oficial 2026. El acto se llevó a cabo esta mañana en el Espacio INCAA – Espacio Chauvín y reunió a autoridades, representantes del sector audiovisual, realizadores y medios de comunicación.

En esta edición, el directorio está conformado por Agustín Neme, Intendente del Partido de General Pueyrredon; Diego Juárez, Presidente del EMTURyC; Carlos Pirovano, Presidente del INCAA; Florencio Aldrey Iglesias, empresario; y Fernando Álvarez, Presidente de Fundación Global.

En el su anuncio, también participaron Jorge Stamadianos, Co-Director Artístico del Festival; Elisabeth Blanco, Gerente de Políticas Públicas del INCAA; Miguel Monforte Presidente de SIGNIS Argentina (Asociación Católica de Comunicación); autoridades municipales y miembros de la producción del Festival.

El Intendente Municipal, Agustín Neme, explicó que “nosotros tomamos una decisión que es involucrarnos y trabajar mucho para que este festival vuelva a ser lo que fue en algún momento, por eso desde nuestro lugar les vamos a pedir a cada uno de los sectores de la ciudad que llevamos el festival a todos los rincones: que si esa semana vamos a comer a algún lugar, se sienta el festival de cine; y que si vamos a recorrer una plaza, también. Es algo único y tenemos que cuidarlo y potenciarlo, porque como siempre digo, Mar del Plata no tiene techo y lo vamos a demostrar también en noviembre”.

Asimismo, agradeció “la voluntad y el acompañamiento del INCAA y del equipo también de producción y audiovisual donde estamos trabajando. Próximamente van a tener novedades, porque vamos a llevar a Mar del Plata a cada una de las plataformas, tanto de series como de películas, mostrando el potencial y talento que tiene nuestra ciudad a todo el mundo”.

“Les pido a cada uno de los marplatenses y batanenses que nos pongamos la camiseta de la ciudad donde diga “Festival Internacional de Cine” y que trabajemos todos por eso, juntos y desde ahora, porque solo así va a ser un éxito”, concluyó Neme.

Por su parte Diego Juárez, Presidente del Ente Municipal de Turismo y Cultura de Mar del Plata, señaló que “es una enorme satisfacción acompañar la presentación de una nueva edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, un evento que forma parte de la identidad cultural de nuestra ciudad y que nos proyecta al mundo. Hablar de este Festival es hablar de historia, de talento, de creatividad y de una tradición que ha convertido a Mar del Plata en un punto de encuentro para realizadores, productores, artistas y amantes del cine de todos los continentes”.

“El Festival no solo impulsa la cultura sino que también genera movimiento económico, fortalece el turismo, dinamiza la gastronomía, la hotelería y pone en valor el enorme potencial de nuestra ciudad. Mar del Plata tiene una vocación natural para recibir grandes eventos, y ésto lo demuestra. Por eso quiero agradecer a todos los que lo hacen posible y destacar que cuando el mundo mira al cine, también mira a Mar del Plata”, concluyó Juárez.

Asimismo Carlos Pirovano, Presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) indicó que "he visto pocas ciudades con el talento que tiene Mar del Plata" y remarcó la iniciativa del Intendente en conformar el directorio y “articular con las empresas privadas e involucrar a Mar del Plata en el festival: que cada uno corra la cancha como lo hizo Messi el otro día. El talento se demuestra, está para brillar, para mostrarlo".

Fernando Álvarez, Presidente de Fundación Global, agradeció la distinción de invitarlo a formar parte del directorio en nombre de 150 empresas y añadió que “Mar del Plata tiene cada año una fecha en el fixture de la Fórmula 1 de la cultura mundial, que es nuestro Festival Internacional de Cine, al que nosotros acompañamos con entusiasmo”.

Luego de la presencación del directorio, se proyectó por primera vez el spot institucional elaborado por el INCAA, que refleja el espíritu y la identidad de esta nueva edición.

Estos anuncios marcaron el inicio formal de la cuenta regresiva hacia el encuentro cinematográfico más importante de Latinoamérica, que se desarrollará del 5 al 15 de noviembre de 2026 en Mar del Plata.

La 23ª edición del Festival Nacional de Cine de Tandil ya abrió su convocatoria para películas nacionales de ficción y documental. El certamen, que se desarrollará del 17 al 24 de octubre de 2026, seleccionará diez producciones para competir por los premios Centinela al Cine Nacional y otros galardones paralelos.

Dedicado exclusivamente al cine nacional, con una perspectiva federal, Tandil Cine busca promover obras con propuestas artísticas, técnicas y narrativas innovadoras, al tiempo que impulsa nuevas miradas y fomenta la formación de públicos. La edición 2026 contará con secciones no competitivas, competencias de largometrajes y cortometrajes de ficción, documental y animación, además de la sección “Panorama Tandil”, destinada a producciones locales. También habrá secciones no competitivas de la producción audiovisual argentina.

Podrán participar películas nacionales realizadas a partir del 1° de enero de 2025 que no hayan competido en ediciones anteriores del festival. La inscripción estará abierta hasta el 31 de julio de 2026 a través de la plataforma FilmFreeway (filmfreeway.com/TandilCine). Las obras seleccionadas se anunciarán el 1° de septiembre y serán evaluadas por un jurado integrado por referentes del cine nacional y local. El Festival otorgará premios en distintas categorías, entre ellas Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Actuación.

Tandil Cine, que este año celebra 25 años de trayectoria, es organizado por la Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires y el Municipio de Tandil, con el acompañamiento de la Biblioteca Popular Bernardino Rivadavia y el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. Desde su creación en 2001, el certamen ha sostenido una trayectoria ininterrumpida. Desde 2014, además, cuenta con la posibilidad de proyectar películas en una de las pantallas más grandes de la provincia de Buenos Aires, ubicada en el Espacio Incaa Unicen, y desde 2025 sumó un nuevo espacio de encuentro en el Multicultural municipal.

La propuesta se sostiene gracias al trabajo conjunto de la Universidad, el Municipio y los diversos actores que impulsaron su organización, potenciando el crecimiento de Tandil como polo audiovisual y fortaleciendo iniciativas culturales que también dinamizan al entramado productivo local.  A lo largo de este cuarto de siglo, se consolidó como uno de los festivales de cine más importantes del interior del país y como un espacio fundamental para la difusión de la producción audiovisual argentina con el objetivo de “ampliar la mirada”.

Más información:

●        E-mail: tandilcineargentina@gmail.com

●        Web: www.tandilcine.com.ar

●        Redes sociales: @tandilcine en Instagram | Tandil Cine en Facebook | Tandil Cine en YouTube

●        Inscripción: filmfreeway.com/TandilCine

Murió hoy Carlos Alberto "Indio" Solari, el emblemático líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

El creador del "pogo más grande del mundo", dueño de letras icónicas que marcaron a generaciones enteras y emblema del rock nacional, falleció hoy a los 77 años.

El músico batallaba desde hacía años contra el mal de Parkinson.

Según el parte policial la Unidad Fiscal 2 de Ituzaingó se presentó en su hogar para constatar el deceso del artista y, tras informar las averiguaciones por el causante, consideraron que "nada indica o señala" otro motivo.

Solari fue reconocido como una de las figuras más influyentes y enigmáticas de la historia del rock argentino que alcanzó una dimensión mítica como líder y principal compositor de la banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, un fenómeno cultural que se convirtió en un símbolo de independencia artística y convocatoria popular en la década del 70.

Tras la disolución de la banda en 2001, el músico se desempeñó como solista y mantuvo una convocatoria multitudinaria en cada presentación junto a "Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado".

Entre sus acercamientos más recientes al público, el artista recibió un homenaje por parte de la Universidad de Buenos Aires que le otorgó el doctorado Honoris Causa,  con un acto en el Aula Magna de la Facultad de Medicina y el músico envío un mensaje en agradecimiento por la distinción.

En el mismo acto, el guitarrista e integrante de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, Gaspar Benegas, junto a un octeto de cuerdas, interpretaron diez canciones del Indio, que fueron ovacionados por el público presente.

La reunión fue presidida por el rector de la Universidad de Buenos Aires (UBA), Ricardo Gelpi que definió al intérprete como “un artista que hizo de la originalidad una ética, construyó uno de los lazos más intensos entre un músico y su comunidad que registre la historia cultural del país y, que demostró que la mayor ambición posible no es la fama ni el dinero sino la justificación de una vida entera a través del trabajo”.

Aunque su perfil más reconocido se enfoca en el ámbito musical, desde joven desarrolló intereses vinculados al arte, la literatura y la contracultura. (NA)

Este jueves a la tarde se confirmó la muerte de Chunchuna Villafañe a los 92 años. La noticia la dio su hija, Juana Molina, quien la despidió con un sentido posteo en su cuenta de Instagram.

“Queridos amigos, murió mi querida mamita. era algo que esperaba y temía. Sucedió esta madrugada”, escribió la artista.

Muy triste por la muerte de su madre, la actriz agregó: “Es un cocktail de sensaciones. Cuando volví a su casa y vi su cama vacía me di cuenta de que la voy a extrañar mucho. Esa ausencia inmensa”.

“Ir a su casa a conversar era algo que hacía muy a menudo y sería incapaz de recordar alguna de esas conversaciones que duraban horas. no sé de qué hablábamos, pero hablábamos mucho”, añadió en el posteo junto a una foto de la histórica modelo y actriz.

Sobre lo que siente en este momento y que pasará con un espectáculo que tenía pactado, Molina comunicó: “Creo que ahora quiero estar con mi hijita bien juntitas las dos. Así que, con mucha tristeza, quiero avisarles que mañana no voy a poder hacer el show en @xlrcluboficial, San Miguel. Hasta hace unos minutos pensé en hacerlo igual, pero luego me pareció que iba a ser una epopeya que no puedo protagonizar“.

“Estoy siempre agradecida por su apoyo y amor. Pasará, sanará”, concluyó Juana, junto a un emoji de un corazón roto.

La publicación se llenó de mensajes de cariño y muestras de afecto para la actriz en este momento tan complicado.

Elba “Chunchuna” Villafañe, una de las grandes bellezas argentinas, provenia de una familia de notables: su bisabuelo, Benjamín Villafañe, fue gobernador de la provincia de Jujuy. Su padre, César Villafañe, militar de profesión, se convirtió en un jinete de prestigio internacional. Su madre también fue una eximia amazona. Su tía, Elba Villafañe, era una artista -pintora y escultora- multipremiada y profesora emérita de la Facultad de Bellas Artes, célebre por sus paisajes de Tilcara y los retratos de su gente, los coyas.

A raíz de la profesión de su padre, Chunchuna vivió en diferentes provincias pero cuando la familia se estableció en Buenos Aires concluyó su educación y cursó la carrera de Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires.

Mientras estudiaba, para sostenerse y colaborar con su familia, comenzó a trabajar como modelo y rápidamente se convirtió, junto con Claudia Sánchez, en una de las figuras más cotizadas de la publicidad argentina. Muchos recuerdan todavía los avisos que realizó con Ugo Tognazzi y en general su elegancia y sensualidad cualquiera fuera el producto que le tocara vender.

Pero Chunchuna se crio en una familia interesada en la política y ella no se mantuvo al margen. De jovencita escuchaba con atención las discusiones políticas que mantenían algunas personalidades de la época que visitaban su casa. Ya casada (con Horacio Molina) y madre de dos hijas (Inés y Juana Molina) conoció al padre Carlos Mugica en una reunión social.

Quedó impactada y comenzó a trabajar con él en la Villa 31. Mejoraba las viviendas y usaba su popularidad para lograr que en los hospitales atendieran a la gente que de otro modo quedaba postergada. Su adhesión al peronismo le costó algunos contratos, pero también le abrió una puerta a sus inquietudes sociales.

De vuelta en el país con el regreso de la democracia, Chunchuna Villafañe hizo su entrada triunfal en el cine con su participación, junto con Norma Aleandro, en la película La historia oficial, de Luis Puenzo, que ese año, 1986, ganó el Oscar a la mejor película en idioma extranjero.

Ella había estudiado con Agustín Alezzo y participó en películas anteriores como Un guapo del 900 y No toquen a la nena entre otras. Trabajó en televisión -Atreverse, Mujeres asesinas, Tratame bien- y en teatro hizo obras de Somigliana, Discépolo, Beckett y Pavlovsky. Trabajó dirigida por Oscar Barney Finn (Cartas de amor) y en la película Vidas privadas, de Fito Páez.

Silvia Freyre llegó a LU9 Radio Mar del Plata cargada de franqueza y humor para hablar de Estoica, su más reciente libro. Pero la charla fue mucho más allá de la obra: se convirtió en una clase sobre autoconocimiento, dolor emocional y los mecanismos que usamos, o que nos usan, para seguir adelante.

La autora explicó que el libro reúne los estados de ánimo que transitó durante tres años tras la pérdida de su compañero de vida. "No es tanto una autobiografía sino más un manual de instrucciones, para saber qué hacer cada vez que te está pasando algo, si es que querés ayudarte", señaló. Un mapa emocional, en sus palabras, para quien quiera trabajar a su favor y no en contra.

Uno de los ejes de la conversación fue la idea de que cada persona alberga múltiples personalidades o facetas que conviven en tensión. Freyre lo graficó con una imagen potente: "Todos somos un conventillo. Tenemos todas las personalidades y todos los rasgos, y algunos están más desarrollados que otros".

La escritora comparó ese mecanismo con marcar un número de teléfono: "Si marcás el 113 te da la hora, si marcás el 110 te dan información. Depende del número que marqués, a quién convocás". La clave, según ella, está en decidir conscientemente qué aspecto de uno mismo se pone al frente.

Freyre reconoció sin rodeos su propia tendencia masoquista y la usó como ejemplo de autoconocimiento: "Eso me da mucha autoridad conocerme y conocer ese rasgo, y saber que en el fondo hay una masoca que puede escuchar un tema que te flagela durante 47 horas". Conocer ese rasgo, dijo, es la condición para poder manejarlo.

Cuando el conductor le preguntó qué personalidad interna es la que la saca del túnel de oscuridad, Freyre fue directa: el altruismo. "Cuando levantás la vista de tu ombligo y empezás a mirar al otro a los ojos, empezás a conectar con las necesidades del otro", afirmó.

Contó que en su peor momento personal, una referencia a la autoayuda —que en principio desestimó— le "tiró una puntita" que resultó ser "un tronco enorme que finalmente me salvó". Su método concreto fue ir al Hospital Garrahan a ver qué era lo peor que estaba pasando a su alrededor. "Cuando levantás la vista de tu ombligo, empezás a ver un mundo ahí afuera donde hay otras personas que tienen otras necesidades", resumió.

La charla también tocó la crianza y los vínculos entre padres e hijos. Freyre habló de las "cartas del perdón" que propone en sus encuentros: ejercicios donde la persona imagina que quien le hizo daño le pide disculpas y le dice "no te vi". "Es tan fácil entenderlo, porque yo sé que si nos hubieran visto los mayores no hubieran hecho lo que hicieron", sostuvo.

Aplicó esa lógica a su propia madre, a quien evocó con ternura y sin reproches: "Mi vieja me decía que yo era su mejor amiga. Yo tenía 6 años. No estaba en condiciones". Y extendió la reflexión a cualquier padre o madre: "Todos estamos haciendo lo mejor que podemos con el conocimiento que tenemos".

En ese punto mencionó otro de sus libros, Prohibido tener hijos, cuyo subtítulo implícito es "a menos que te capacités". "Es muy peligroso. Nadie estudia para ser padre", advirtió con su habitual mezcla de humor y contundencia.

Con más de cuatro décadas de trayectoria, Freyre lleva publicados alrededor de 40 libros. Su camino comenzó cuando envió su primer trabajo a Bernardo Neustadt, quien le propuso ir por más. "De ahí arrancó un camino que no tuvo retorno", recordó. Siguieron siete años en Radio Continental y siete en Radio 10, experiencias que, según ella, "me dieron una potencia imparable".

Hoy, además de su actividad como escritora y conferencista, conduce en YouTube el programa Mundo Freyre OK, dedicado al turismo ancestral, y estuvo en Mar del Plata precisamente grabando contenido para ese proyecto. "Vine por el vicio de la radio porque me invitaron y amo el micrófono", admitió entre risas.

Estoica se presentó recientemente en la Feria del Libro y puede seguirse la actividad de su autora en redes y YouTube.

Netflix volvió a apostar fuerte por uno de los clásicos más importantes del cine argentino. La plataforma confirmó el inicio del rodaje de la nueva versión de “Nueve reinas”, la mítica película protagonizada originalmente por Ricardo Darín y Gastón Pauls. Esta vez, la historia llegará en formato serie y contará con un elenco encabezado por Álvaro Morte, Patrick Criado y José Coronado.

La producción ya comenzó a filmarse en Madrid y promete convertirse en uno de los grandes lanzamientos internacionales de Netflix. El proyecto buscará expandir el universo narrativo creado por Fabián Bielinsky y actualizar la trama al contexto social y económico de España durante la crisis de 2012.

La nueva adaptación de “Nueve reinas” estará ambientada en el Madrid de 2012, en plena crisis económica. Allí aparece Marcos, interpretado por Álvaro Morte, un experimentado estafador que se cruza con Juan, un joven desesperado por la falta de dinero y encarnado por Patrick Criado.

Lo que comienza como una serie de pequeños engaños callejeros rápidamente escala hasta transformarse en un golpe millonario. Ambos intentarán vender unas legendarias estampillas falsas conocidas como “las nueve reinas” a un poderoso magnate interpretado por José Coronado.

Según adelantó Netflix, la serie mantendrá el espíritu del thriller original, pero sumará nuevas capas dramáticas y profundizará las relaciones entre los protagonistas. La adaptación también pondrá el foco en una sociedad golpeada por la crisis, donde la línea entre víctimas y estafadores parece desaparecer.

Uno de los grandes atractivos del proyecto será la participación de José Coronado, uno de los actores más reconocidos de España gracias a producciones como “Entrevías” y “Legado”.

El elenco también incluye a Álvaro Morte, recordado mundialmente por su papel en “La casa de papel”, y Patrick Criado, otra de las figuras destacadas de las ficciones españolas recientes.

Además, completan el reparto Aura Garrido y Margarida Corceiro. La serie fue creada por Xosé Morais y Víctor Sierra, mientras que la dirección estará a cargo de Álex Rodrigo y Jorge Saavedra.

(España/2026) Serie. Temporada 1. 8 Episodios. Netflix

Creada por Esther Martínez Lobato y Álex Pina, con Pedro Alonso y Michelle Jenner, recupera al personaje más seductor de "La casa de papel" en otro golpe, el robo de una obra de Da Vinci. Joyas, lujo y traiciones acompañan su elegante vocación por el delito.

Menos urgencia y más glamour en este spin-off en el que importa tanto el robo como el placer de ejecutarlo. Funciona como expansión del mito y confirma que Berlín siempre fue más interesante que el atraco.

En síntesis: Estilo, delito, carisma.

(Estados Unidos/2026) Serie. Temporada 1. 8 Episodios. Netflix

Creada por Jeffrey Addiss y Will Matthews, con Alfred Molina y Geena Davis, propone una comunidad de jubilados donde la rutina se quiebra con una amenaza sobrenatural. Entre pasillos prolijos y vecinos cordiales, el verdadero enemigo parece ser el tiempo.

La gracia está en invertir la lógica habitual del género: aquí no corren adolescentes sino veteranos con memoria, ironía y cuentas pendientes. Ese cambio de perspectiva le da espesor y una melancolía poco frecuente.

En síntesis: Vejez, misterio, resistencia.

(Colombia/2026) Serie Documental. 3 Episodios. Netflix

Protagonizada por el futbolista colombiano James Rodríguez y dirigida por Simón Brand, recorre su vida desde sus inicios hasta la explosión en Brasil 2014, pasando por Real Madrid y Bayern Munich, y el peso de sostener una figura convertida en símbolo nacional.

Más que una celebración deportiva, retrata a un talento atravesado por la expectativa ajena. Entre goles, lesiones y críticas aparece el hombre detrás del ídolo: alguien obligado a convivir con su propia leyenda.

En síntesis: Gloria, presión, legado.

("Maximum Pleasure Guaranteed", EE.UU/2026) Serie. Temporada 1. 8 Episodios. Apple TV+

Creada por David J. Rosen, con Tatiana Maslany, sigue a una mujer atrapada entre la vida doméstica y una deriva criminal inesperada ligada al negocio del placer digital. El thriller convive con una comedia incómoda y bastante ácida.

Funciona mejor cuando abraza el absurdo y deja que su protagonista se vuelva imprevisible. No busca moralizar sino mostrar cómo el deseo, el dinero y la mentira suelen entrar por la misma puerta.

En síntesis: Riesgo, humor, vértigo.

(Argentina-Uruguay/2026)

Dirigida por Juan Taratuto, con Gael García Bernal y Natalia Oreiro, sigue a dos ejecutivos de una multinacional alimenticia que se conocen durante un viaje laboral en el Caribe, en medio de una crisis personal y empresarial. Ya en Uruguay, esa conexión inesperada empieza a alterar sus certezas.

Con tono íntimo y sin estridencias, la película se apoya en los matices emocionales y en la química de sus protagonistas.

En síntesis: Deseo, crisis, elección.

(Argentina/2026)

Juan Cabral y Santiago Franco reconstruyen el triunfo de Argentina frente a Inglaterra en México 86, cruzando la Mano de Dios y el Gol del Siglo con la memoria de Malvinas y una revancha emocional colectiva.

Se vale de archivos inéditos y testimonios de ambos bandos para transformar un partido histórico en un relato político y humano. Para recordar.

En síntesis: Épico, sensible, revelador.

(EE.UU./2026)

Jon Favreau lleva al cine a Din Djarin y Grogu en una aventura que enfrenta restos del Imperio y nuevos señores de la guerra dentro de la Nueva República.

Más que un spin-off, marca el regreso formal de Star Wars a salas con Pedro Pascal al frente y una apuesta a la épica clásica. Para fanáticos.

En síntesis: Nostálgica, expansiva, contundente.

La actriz y directora María Carreras anunció el regreso de "El Conventillo de la Paloma" a la cartelera marplatense. La función será este sábado a las 20:00 en la Sala Payró del Teatro Auditorium, en el marco del fin de semana largo, con un elenco íntegramente local.

Se trata de una versión en formato de sainete musical, con 30 artistas en escena, músicos en vivo, ballet y números corales que recuperan el clásico de Alberto Vacarezza. "Es una fiesta, el público sale bailando con los actores hasta el ascensor del Payró", definió Carreras en diálogo con LU9 Radio Mar del Plata.

La puesta reúne actores, músicos y bailarines de la ciudad. En esta oportunidad se suma Natalia Bols con su ballet de ocho bailarinas, el conjunto Alborada de gaitas, Los Franco en música y Susana Cruz en canto, junto a los intérpretes que dan vida a los personajes del conventillo escrito por Vacarezza.

Carreras destacó el espíritu colectivo del proyecto: "no ir a la competencia sino al equipo, a la sinergia, al sumar, al que todos aporten y todos se luzcan". La directora subrayó que el teatro independiente conserva una dinámica artesanal y que cada elenco "pasa a ser también una familia".

La obra está codirigida junto a su hermana Victoria Carreras, quien fue la impulsora original del proyecto. "Victoria es la que tiene la idea de decir vamos a hacer esta obra, ahora vamos a hacerla en sainete musical", contó María, y recordó que la propuesta retoma una idea que su padre, el director Enrique Carreras, había pensado originalmente para el cine.

Sobre el reparto de tareas en la dirección, explicó que su hermana trabajó más la dirección de actores mientras ella se ocupó del montaje, las luces, la escenografía y la coreografía, ya que Victoria también está en escena interpretando a "la gallega", un personaje que según María tiene "reminiscencias de Niní Marshall".

Hija de los directores y actores Enrique y Mercedes Carreras, María repasó cómo construyó su propio camino dentro de una familia con fuerte tradición teatral y audiovisual. "De chica yo vi cómo se trabajaba, cómo venían los guionistas", relató, y contó que arrancó "con mucha inconsciencia, propia de la adolescencia", actuando, dirigiendo y escribiendo en paralelo a los trabajos junto a su padre.

La directora señaló que cada integrante de la familia fue encontrando su lugar: Victoria se desarrolló como actriz, directora y creadora audiovisual con cuatro cortometrajes realizados, mientras que Marisa Carreras hoy se dedica a la producción de espectáculos ligados al mundo del tango. "Cada uno fue buscando por dónde podría abrirse camino, escuchándose y siendo fiel a lo que uno es", reflexionó.

Consultada sobre el perfil del espectáculo, Carreras aseguró que se trata de una propuesta apta para todas las edades. "Se convierte en una experiencia. Ahora se habla de experimentar, de vivenciar, y eso es lo que estamos haciendo con el conventillo", planteó.

La directora insistió en el carácter festivo de la obra y en la posibilidad de que el espectador "se transporte en el tiempo", pase un buen momento o se detenga a pensar en cuestiones que habitualmente no se aborda. "Eso es lo que más me entusiasma", afirmó.

"El Conventillo de la Paloma", en versión sainete musical, se presentará el sábado a las 20:00 en la Sala Payró del Teatro Auditorium de Mar del Plata. La función contará con músicos en vivo y 30 artistas en escena.

El cantante marplatense Gabriel "Gaby" Camino vivió uno de los momentos más importantes de su carrera artística al participar del programa "Cantando con Abel Pintos" de Canal 13, donde el reconocido artista santafesino se subió al escenario para cantar junto a él un fragmento de "La llave", uno de sus temas más emblemáticos.

En diálogo con LU9 Radio Mar del Plata, Camino aseguró que todavía le cuesta dimensionar lo vivido: "esto fue todo tan rápido que nunca me imaginé que iba a ocurrir algo así". El cantante reconoció que tras tantos años de trabajo, en apenas tres minutos le "cumplieron un sueño inimaginable" y admitió que vuelve a ver el video y "no cae".

Un casting al que casi no va

El artista contó que llegó al certamen con escepticismo. "Estaba un poco descreído de los certámenes", reconoció, y explicó que fue su familia quien lo impulsó a presentarse. "Me decían 'andá, capaz que es una oportunidad' y terminé accediendo", relató.

Camino también señaló que llegó al estudio sin saber que ya estaba seleccionado para el programa. Pensaba que se trataba de una preselección, como ocurre en la mayoría de los castings, pero al arribar al canal se encontró con que "ya estaba todo preparado para grabar".

El fanatismo por Abel y el momento del escenario

El cantante remarcó que su vínculo con la figura de Abel Pintos hizo que la experiencia tuviera un peso especial. Recordó que durante un tiempo tuvo "una banda que hacía tributo" al artista y comparó la situación con la de un futbolero: "es lo mismo que te inviten a jugar un partido y esté Messi", graficó.

Sobre el instante en que Pintos se acercó a cantar con él, Camino lo definió como surrealista: "el escenario estaba hecho de flan, me temblaba todo". Según contó, la propuesta de subir al escenario fue idea del propio Abel y él no estaba al tanto.

Lo que no se vio en la edición

El marplatense reveló que parte del intercambio con el jurado y con Pintos quedó fuera de la edición televisiva por cuestiones de tiempo. "Conversábamos de algunas cosas con el jurado y con Abel, algunas palabritas ahí", contó, y agregó que el artista le habría dicho que cantara con él, a lo que en un primer momento se resistió por los nervios: "le decía que no porque no sé si voy a poder, estoy muy nervioso, me lo voy a pasar llorando".

Tras la actuación, hubo un abrazo y un breve diálogo de agradecimiento mutuo. "Yo le agradecí y él también me decía gracias", recordó.

Aprendizajes de un mundo nuevo

Pese a su trayectoria, Camino reconoció que la experiencia televisiva le abrió un universo desconocido. "Tenés que tener mucha resiliencia para estar arriba de un escenario así, para que el estrés no te gane", explicó. Señaló que para interpretar bien una canción hay que estar "lo más relajado posible" y que aún debe acostumbrarse a detalles como mirar a las cámaras, algo que no estaba dentro de sus hábitos como artista en vivo.

El cantante destacó que se trata de "un aprendizaje nuevo" y una experiencia que le va a "quedar para toda la vida".

El furor en las redes sociales

Otro de los puntos que sorprendió al artista fue la repercusión en redes sociales tras la emisión del programa. Camino contó que estuvo respondiendo mensajes de WhatsApp "hasta las dos o tres de la mañana" y que al día siguiente continuó haciéndolo durante toda la jornada, sin poder siquiera abrir sus redes.

"Yo no me considero una persona exitosa porque trabajo de lo que amo, pero a este nivel nunca me había ocurrido algo así", expresó. El marplatense adelantó que está pensando en grabar un video para agradecer de manera global a quienes le hicieron llegar mensajes de cariño, fuerza y aliento, ya que no logra responder uno por uno.

El regreso al programa y una victoria personal

Camino confirmó que volverá a presentarse en la segunda etapa del certamen y aseguró que dará todo de sí para avanzar. Sin embargo, dejó en claro que más allá del resultado deportivo del concurso, ya siente que ganó: "siento que un poco gané ya en la primera presentación, me sentí ganador por todo esto que viví, que no lo esperaba bajo ningún punto de vista".

La experiencia inmersiva "Minecraft Experience: Moonlight Trail" desembarcó este viernes 15 de mayo en Buenos Aires con un estreno mundial que reúne a miles de fanáticos del videojuego más popular de la historia. La propuesta se desarrolla en Ciudad Universitaria e invita al público a sumergirse en un recorrido nocturno inspirado en el universo creado por Mojang.

El evento agotó varias de sus funciones en los primeros días de venta y se consolida como una de las experiencias interactivas más esperadas del calendario porteño, con entradas disponibles a través de Ticketek.

La propuesta consiste en atravesar biomas, cuevas y escenarios interactivos del universo Minecraft, ambientados con desafíos, luces y efectos especiales. El trayecto fue diseñado para que cada visitante pueda vivir, en la vida real, las sensaciones que el videojuego ofrece en pantalla.

Los organizadores destacaron que se trata de un "estreno mundial" que tiene como sede Buenos Aires, lo que posiciona a la capital argentina como punto de referencia internacional para el lanzamiento de esta experiencia oficial de Mojang AB y Microsoft Corporation.

El evento se realiza en Ciudad Universitaria y comenzó este 15 de mayo. Las entradas se venden exclusivamente por la plataforma Ticketek, con la opción de abonar en 6 cuotas sin interés con tarjetas Santander.

La experiencia cuenta con el respaldo de Supply+Demand, Experience Mod LLC, Clarín, BA, Stadium y 6 Pasos, y mantiene la estética pixelada característica del videojuego en cada uno de sus escenarios.

Minecraft, el videojuego desarrollado originalmente por Mojang, es una de las franquicias más exitosas del entretenimiento global. La llegada de su experiencia inmersiva oficial a la Argentina marca un hecho relevante para la comunidad gamer local, que podrá recorrer físicamente los entornos que millones de jugadores construyen y exploran a diario en sus consolas y computadoras.

Según informaron desde la organización, la propuesta "reunió a miles de fanáticos que viven el videojuego en la vida real", lo que explica el rápido agotamiento de funciones y la expectativa que rodea cada nueva fecha habilitada.

Para más información y compra de entradas, los interesados pueden ingresar a minecraftexperience.com

El mentalista Agustín Canolik, de 30 años y nacido en Sierra de los Padres, se presentará este viernes 8 de mayo en el Radio City Roxy de Mar del Plata, con un espectáculo que combina mentalismo, hipnosis y magia clásica. Las entradas se encuentran a la venta a través de Plateanet.

En su paso por LU9 Radio Mar del Plata, el artista contó cómo construyó el show que lo trae a la ciudad y se refirió al fenómeno de viralización que vivió el año pasado, cuando alcanzó 50 millones de reproducciones en redes en apenas un mes: "en un mes me vio todo el país".

Canolik creció en una familia de artistas -sus padres cantan tangos, bossa nova y folclore, y sus hermanos son músicos- y empezó a estudiar magia a los 11 años. A los 12 ya trabajaba profesionalmente animando eventos en su zona: "yo tenía el monopolio en 200 kilómetros a la redonda de todos los eventos". A los 14 hacía cumpleaños de quince, a los 15 eventos corporativos y a los 16 bodas, lo que le permitió, según relató, adquirir desde muy joven nociones de timing escénico, manejo del público y construcción del show.

A los 18 años atravesó un período de distanciamiento con la magia y se dedicó durante cinco años al estudio de la hipnosis. Sobre esa disciplina, aclaró que "es psicología práctica, no es algo esotérico", y explicó que entró por el espectáculo y luego se acercó a la parte clínica. Con ese bagaje regresó al escenario, esta vez en el terreno del mentalismo.

Consultado sobre la diferencia entre el ilusionismo tradicional y el mentalismo, el artista explicó que el ilusionista afecta el mundo físico -hace desaparecer objetos, los transforma, los teletransporta-, mientras que el mentalista trabaja sobre el mundo interno de los demás: adivina lo que las personas piensan y se anticipa al futuro. Esa intromisión, dijo, es la que produce el asombro incluso en adultos: "esto se supone que mi mente está guardada".

Definió su trabajo como "un juego delicado" que involucra a los demás y que intenta encarar con elegancia. Y sintetizó su búsqueda en una idea: "el misterio es magnético". Reconoció que en sus shows hay siempre un porcentaje de público escéptico que va con la intención de descubrir el truco, y aseguró que ese desafío forma parte del oficio. Según contó, hacia el minuto 40 del espectáculo suele producirse el momento en que esos espectadores "bajan las defensas" y se entregan a la propuesta.

El artista relató que la viralización masiva del año pasado lo obligó a repensar su formato. Hasta entonces trabajaba en un esquema de café concert, pensado para 60 a 100 personas, que resultaba inviable para girar por el interior por una cuestión de costos y logística. Frente a la cantidad de propuestas que recibió de productores, decidió crear un espectáculo nuevo, concebido específicamente para teatro.

En esa etapa rechazó ofertas de productoras que le proponían una estructura armada: "no quería perder el control creativo". Optó por contratar él mismo a un equipo de 15 personas -producción ejecutiva, asistencia y asesores- con quienes trabajó durante cinco o seis meses en el armado del show.

Una decisión central fue prescindir de las pantallas como sostén del espectáculo. Buscó una experiencia teatral tradicional, sin que el público dependa de un soporte audiovisual para seguir lo que sucede en escena. Como referencias artísticas mencionó a Tu Sam, René Lavand, Juan Tamariz, Derren Brown y Dani DaOrtiz, figuras que, según dijo, lo formaron y lo inspiraron a llevar el mentalismo "con la mayor elegancia posible".

Canolik compartió un episodio que marcó su forma de pararse frente a la profesión. Cuando fue invitado al programa de Carmen Barbieri, vio un informe que abría con imágenes de Tu Sam asombrando celebridades en la televisión argentina y que continuaba mostrando sus propios videos. En ese momento, contó, se le hizo "un nudo en la panza".

A partir de esa experiencia tomó dimensión de que, así como él había sido marcado de chico por los grandes mentalistas que veía en pantalla, ahora podía haber niños de 11 años mirándolo a él y pensando que el mentalismo es lo que él hace. De ahí, dijo, surgió un sentido de responsabilidad sobre la calidad de lo que ofrece.

La presentación de Agustín Canolik será este viernes 8 de mayo en el Radio City Roxy de Mar del Plata. Las entradas pueden adquirirse a través del sistema Plateanet.

Valentino Merlo, la joven promesa de la música argentina que vive un meteórico ascenso en su carrera, desembarcará en Mar del Plata el próximo viernes 8 de mayo con un show en el complejo ubicado en la calle San Luis. La presentación forma parte de la gira nacional que el artista rosarino de 17 años despliega por todo el país antes de cruzar el océano rumbo a Europa y Estados Unidos.

En diálogo con LU9 Radio Mar del Plata, el cantante adelantó detalles de lo que será su regreso a "La Feliz", una ciudad con la que tiene un vínculo especial desde sus primeras visitas. Las entradas, advirtió, son limitadas.

Merlo recordó con cariño sus experiencias previas en la ciudad, donde combinó descanso y trabajo. "Fui a vacacionar a Mar del Plata, la verdad muy linda, la gente también", relató. Contó que en aquella oportunidad realizó "un par de shows, un festival y un par de boliches", y que la respuesta del público fue contundente: aseguró que entra "en el top 5 de los mejores públicos de Argentina".

El artista llega a la cita marplatense tras un ensayo general realizado en Rosario y se mostró entusiasmado con la puesta en escena que prepara para la noche del viernes. "Está todo listo", afirmó.

Lejos de tratarse de una propuesta dirigida únicamente al público adolescente, Valentino subrayó el carácter familiar de sus presentaciones. Detalló que el operativo detrás de cada función involucra a un equipo de 23 personas, de las cuales 9 suben al escenario: el cantante, cuatro bailarines, el responsable de las pantallas y el técnico de sonido, entre otros.

"Cada uno de ellos pone el 100% de su trabajo y su esfuerzo para que el show salga increíble y que lo disfrutemos en familia, no solamente los hijos y los chicos que nos siguen, sino que toda la familia", explicó. El artista remarcó que disfruta especialmente cuando observa a familias enteras entre el público: "Hay familias que disfrutan sentándose, escuchando, apreciando el show, y eso también lo estoy intentando llevar".

Consultado sobre lo que siente al pisar el escenario, Merlo describió un intercambio de energía constante con quienes lo van a ver. "En el escenario yo intento transmitir todo lo que me da el público", sostuvo. Explicó que esa dinámica funciona como un círculo virtuoso: "Me van recargando las energías, el público canta una canción y yo lo doy más todavía".

El joven cantante reconoció también que cada audiencia tiene su forma particular de disfrutar el espectáculo y que esa diversidad es parte del aprendizaje que atraviesa en esta etapa de su carrera.

Detrás del crecimiento explosivo, Valentino no esquivó hablar de las renuncias que implica vivir de la música a tan temprana edad. "Costó un montón, pensaba que iba a ser un poquito más fácil", admitió. Y agregó: "Hay un montón de cosas que la gente atrás no ve. Hay mucho esfuerzo, muchas cosas que se dejan de lado: la familia, tu casa donde vivís".

El artista contó que su rutina cambió por completo, incluso en lo escolar. "Terminé segundo y me fui. Vimos la posibilidad de hacerlo por Zoom, pero no me dejaban porque soy menor, así que falta un añito y ya arranco con eso", explicó sobre sus estudios secundarios, que planea retomar.

Pese a las consecuencias que enumeró, Merlo afirmó que elige enfocarse en el costado positivo: "Yo me enfoco en mostrarle a mi público las cosas buenas, mostrarle que estés como estés se puede lograr, se puede llegar".

En cuanto a cómo maneja la presión propia de la actividad profesional siendo menor de edad, el cantante aseguró que sus padres cumplen un rol clave en recordarle el peso de cada compromiso. "Siempre está la responsabilidad, esa que me la recarga mis papás, que tengo que ser responsable con esto porque no es un juego", señaló.

De todos modos, destacó que su edad le permite vivir el fenómeno de una manera particular: "Me beneficia bastante el ser la edad que tengo. Lo disfruto de distinta manera a como me lo tomaría más grande. Disfruto un montón, sea las cosas malas como las cosas buenas también".

La presentación marplatense funcionará como antesala de un salto que promete marcar un antes y un después en la carrera del rosarino. En junio, Valentino Merlo iniciará una gira por España, con shows en Barcelona, Madrid y Las Palmas de Gran Canaria, donde se presentará en festivales y salas.

Tras el paso por Europa, el equipo viajará directamente a Orlando, Estados Unidos, donde el artista grabará nuevas canciones y ofrecerá un show en el Hard Rock Café más grande del mundo. "Es una locura pensar eso", confesó.

"Este año va a ser una locura. Siento que faltan un montón de proyectos que van a llegar en algún momento. No sé si estoy preparado, pero sé por dónde viene la mano", cerró el artista, que invitó al público marplatense a no perderse la cita del viernes 8 de mayo.

Mar del Plata será escenario del estreno local de "Luces en el Espejo", el unipersonal escrito y protagonizado por Rodrigo Mauregui y dirigido por Santiago Ríos. La función será el sábado 2 de mayo a las 21 horas en la Sala Nachman del Teatro Auditórium, con entradas a la venta.

La obra propone un recorrido teatral por algunos de los personajes más reconocidos de la historia del cine, encarnados en vivo por un actor que oscila entre el delirio y la realidad. Mauregui adelantó que se trata de una pieza intimista, pensada para una experiencia cercana con el espectador.

Mauregui contó que escribió la obra "con la intención de desafiarme alto". Se trata, explicó, de "un personaje muy finito entre la locura y la cordura, entre lo que delira, lo que sueña y lo que pasa", inspirado en parte en la vida del actor Klaus Kinski y en la película Joker.

El protagonista es un actor que sueña con haber llegado a la fama y que, sobre el escenario, habita a las figuras más icónicas del cine. En vivo, interpreta al Jack Torrance de El Resplandor, al Alex de La Naranja Mecánica, al Renton de Trainspotting, a Charles Chaplin, a Travis Bickle de Taxi Driver, al Joker, al Nosferatu de Kinski y al militar israelí también encarnado por Kinski.

A través de esos personajes, el protagonista "va renegando de que cree haber tenido siempre las posibilidades y el talento para haber llegado lejos" y de que "le faltaron contactos", cuando en verdad -según plantea la obra- "eso le sirvió de excusa para no accionar". Para Mauregui, la pieza propone una metáfora de vida: "la queja nos debilita, debilita nuestro guerrero y sirve como excusa para no accionar".

El dramaturgo definió la propuesta escénica como intimista y minimalista. "Rompe muy poquitas veces la cuarta pared", explicó, y remarcó que la idea es que todo gire en torno a la actuación. En ese sentido, citó como referencia "el espacio vacío" del director inglés Peter Brook: una concepción en la que las luces, el vestuario y los climas funcionan como "una narrativa que acompaña al desafío actoral".

Mauregui subrayó que interpretar personajes tan reconocibles eleva la exigencia: "la vara es mucho más alta porque todo el mundo tiene en su mente cómo es el Joker". Por eso aclaró que su trabajo no es una imitación sino "habitarlo", respetando el modo de caminar, de hablar, de mirar y la estética que el público espera ver.

La obra tiene un antecedente directo. El actor ya había llevado al Joker al teatro en una versión de 2023 y, a partir de ese trabajo, decidió "subir la vara" e incorporar otros personajes icónicos del cine. "Fusionar lo cinematográfico con el teatro", resumió, y convidar al público "una obra que los va a interpelar por todos lados".

Sobre la dirección, Mauregui explicó que decidió delegarla en Santiago Ríos para no caer en un acto "ególatra". "A mí no me da la nafta para escribir, dirigirme y actuar", reconoció, y agregó que dirigir, escribir y actuar al mismo tiempo "no me permite crecer". Por eso, dijo, "me corrí y di la dirección a Santiago".

Para Mauregui, el atractivo del teatro está en su carácter irrepetible. "El teatro es acá y ahora", afirmó, y lo diferenció del cine, donde "se edita, se recorta, se pega". Sostuvo que el espectador completa "el 50% restante" de la obra y que, cuando aplaude, no aplaude solamente la actuación: "aplaude lo que le hizo sentir".

En esa línea, definió al aplauso como un "gracias por recordarme la magia de sentir y de sentirnos". Y dejó una invitación abierta: "es una obra de arte que te convido a que seas parte, a ver qué te toca, qué te llega".

"Luces en el Espejo" no es un estreno absoluto. Antes de llegar a Mar del Plata, la pieza tuvo 9 funciones en La Plata y 3 en Capital Federal. La gira continuará en junio y julio nuevamente en Buenos Aires, en agosto en Santa Fe y Córdoba, y en septiembre desembarcará en Bogotá, Manizales y Medellín, en tres festivales de unipersonales en Colombia.

Para octubre y noviembre está prevista la vuelta a La Plata, con la proyección de hacer temporada de verano en Mar del Plata si la convocatoria acompaña.

Mauregui contó que, antes del estreno, organizó un avant premiere al estilo de Estados Unidos, con directores reconocidos y referentes del medio invitados a aportar devoluciones. "A partir de ahí se hizo el estreno", explicó. Aun así, aclaró que la obra sigue abierta a transformarse: "todavía puede seguir embelleciéndose y evolucionando a partir de las devoluciones que recibe".

Las entradas para la función del sábado 2 de mayo a las 21 horas en la Sala Nachman del Teatro Auditórium ya están disponibles. "Los esperamos con los brazos abiertos", cerró el actor, con la expectativa de que esta presentación sea "el comienzo de una hermosa historia" en la ciudad.

La cartelera de la semana combina una de las biografías más esperadas del año, una comedia disparatada para ver en casa y un thriller de acción y montaña con una de las estrellas más taquilleras de Hollywood. El especialista Max Faliero repasó los tres títulos en su columna semanal y dejó pistas claras para elegir según el ánimo del espectador.

El plato fuerte es "Michael", el biopic de Michael Jackson dirigido por Antoine Fuqua, un realizador con trayectoria en cine de acción y policiales que llega al género biográfico de la mano de la propia familia Jackson. La película, además, presenta a Jaafar Jackson, sobrino del cantante, en el rol protagónico.

Faliero advirtió que quien busque una mirada crítica sobre los costados más oscuros del Rey del Pop se va a quedar con las ganas: "es una película de cariño de su familia", definió, y aclaró que varios de los hermanos del artista están involucrados en la producción.

El recorte temporal de esta primera entrega va desde los orígenes de Michael como integrante de los Jackson Five, bajo la conducción obsesiva de su padre, hasta 1988, cuando el cantante decide cortar definitivamente el vínculo paterno. En ese arco aparecen guiños a sus obsesiones personales: los cuentos infantiles, el cine de terror y, sobre todo, Peter Pan, una figura clave para entender al "niño eterno" que fue Jackson.

El crítico encontró un parentesco directo con el biopic de Queen: el productor es el mismo y la estructura, también. "Agarraron el mismo guión y le sacaron a Queen", graficó Faliero, en alusión a una escena con Mike Myers muy maquillado interpretando a un productor televisivo, casi como un eco de su intervención en Bohemian Rhapsody.

Entre los episodios que sí aparecen figura el incendio del cuero cabelludo del cantante durante la filmación de un comercial de gaseosa en los 80, un hecho que "casi no la cuenta", recordó el columnista. En cambio, el film evita meterse en los grandes conflictos de su vida y elige apoyarse en lo seguro: "canciones, canciones, canciones, canciones con algún elemento dramático".

Para Faliero, el gran déficit es la ausencia del proceso creativo del artista, algo que sí se podía apreciar en el documental This Is It, estrenado tras su muerte: "ahí lo veíamos laburando y decías acá hay un tipo que tiene una cabeza", comparó. La continuidad de la saga, anticipó, dependerá de cómo funcione comercialmente esta primera entrega.

El segundo título de la semana es "Pizza Movie", una comedia adolescente disponible en Disney+ y protagonizada por Gaten Matarazzo, conocido por Stranger Things. Faliero la presentó como una grata sorpresa dentro de un género que cada vez tiene menos espacio en la pantalla grande.

La trama sigue a dos perdedores del secundario que descubren una lata con pastillas alucinógenas escondidas una década atrás. Un viejo video de YouTube los alerta sobre las cinco fases de la droga y les indica que pueden contrarrestar sus efectos comiendo determinados ingredientes que, juntos, forman una pizza. El resto es una odisea de hora y media para conseguirla.

El crítico destacó que la película "es muy divertida, es muy creativa" y celebró que evite el cierre moralizante típico del género: "no hace hacia el final el cuentito moral", subrayó. Y dejó una recomendación de uso: invitar amigos, compartirla en grupo y reírse en voz alta, como antes se hacía en el cine.

El tercer estreno es "Apex", el nuevo thriller de Netflix dirigido por el islandés Baltasar Kormákur, especialista en historias de supervivencia en escenarios naturales. El elenco lo encabeza Charlize Theron y lo acompañan Taron Egerton y Eric Bana, este último con una participación breve.

La protagonista es una escaladora de rocas que, tras un episodio trágico, emprende un viaje solitario por parajes inhóspitos de Australia. En el camino se cruza con personajes que no resultan ser la mejor compañía y la película deriva en una trama de persecución y supervivencia.

Faliero ubicó el film "un peldaño abajo" de otros trabajos del director, como Bestia con Idris Elba, por considerar que lo que cuenta es "medio anecdótico". Sin embargo, rescató el impacto físico de los últimos quince minutos: una escena de escalada sin cuerdas que, reconoció, lo hizo sufrir vértigo en su propia casa. "Me sudaban las manos, no sé si la película es buena o yo soy un problema asociado, pero me puso muy nervioso", admitió, y consideró que esa intensidad es, en sí misma, un valor del film.