El panteón del rock nacional pierde a uno de sus exponentes más destacados. A los 76 años, falleció Ricardo Soulé, guitarrista, violinista y cantante de la mítica banda Vox Dei, agrupación fundamental para la historia de la música argentina tras la creación de la ópera rock La Biblia.

Más allá de su trayectoria artística, la vida de Soulé estuvo marcada por una faceta poco conocida: su pasado como futbolista. En la década del 60, el músico se probó como arquero en Quilmes tras enterarse de la convocatoria en su colegio. A pesar de que su inclinación era jugar como delantero, logró quedar en el equipo y llegó a integrar la Reserva.

Antes de que la música explotara en mi vida, fui arquero de Quilmes. Semiprofesional fui, jugué en la Reserva. Soy fana del fútbol, me encanta.

Según recordó el artista en una entrevista con Reyes del Under, su formación futbolística lo llevó a subir desde la Novena División hasta entrenar con la Primera, coincidiendo en aquel tiempo con los inicios de Ubaldo Matildo Fillol. Sin embargo, el desencanto por el ambiente del fútbol profesional, donde los resultados suelen imponerse sobre la pasión, lo llevó a tomar una decisión definitiva.

A los 17 años, Soulé decidió colgar los guantes para dedicarse de lleno a la música. Esta elección permitió la fundación de Vox Dei, banda responsable de piezas fundamentales como Libros Sapienciales o Canción para una mujer que no está. Hoy, el músico deja el plano terrenal para convertirse en una figura eterna de la cultura nacional, cuya obra, al igual que su canción Presente, trasciende las generaciones.

El documental “Suite Juárez”, que recorre la vida y la obra de Rubén Juárez, uno de los grandes nombres del tango argentino, se proyecta este viernes 25 de septiembre a las 21 en la Sala Nachman del Teatro Auditorium, en avenida Patricio Peralta Ramos 2280.

En diálogo con LU9 Radio Mar del Plata, el director y productor Alejandro Venturini, formado en la Universidad del Cine, anticipó que el público se encontrará con "una cantidad de material inédito" que, remarcó, "no lo van a encontrar en YouTube".

Venturini, que codirige el film junto al periodista y escritor francés Jean-Luc Thomas, sostuvo que quienes conocieron a Juárez "seguramente se van a reencontrar con él", mientras que quienes no lo conocieron "van a conocer a un músico increíble".

El realizador invitó a ver la película en sala y explicó el motivo: no es lo mismo escuchar a Juárez en un cine que en casa, "porque como suena es increíble".

Más allá de la conocida virtud de Juárez para tocar el bandoneón y cantar al mismo tiempo, el documental busca "descubrir un poquito también más a la persona", a través de testimonios de amigos, familiares y colegas.

Venturini destacó que el músico "no solo hacía las dos cosas a la vez, sino que las dos las hacía muy bien".

Otro de los ejes de la película, según su codirector, es entender "la fusión de géneros" que Juárez incorporó "sin perder la esencia de lo que es el tango".

Antes de llegar a Mar del Plata, “Suite Juárez” se estrenó en el cine Gaumont de Buenos Aires, donde lleva cuatro semanas en cartel.

Venturini admitió que el equipo quedó sorprendido por la respuesta del público. Contó que, habituado a la concurrencia de esa sala, se asombró al ver la cantidad de gente en las primeras funciones y que, en su semana de estreno, el documental fue "el estreno más visto de la semana en el Gaumont".

El dato no es menor, ya que, como señaló, el público "por lo general elige ficción, no elige documental". También agradeció los mensajes que reciben a través de Instagram.

El director comparó la reacción del público con la que generó su documental anterior sobre Leonardo Favio, película de la que los espectadores salían "muy conmovidos" porque el artista "había atravesado gran parte de sus vidas".

"Creo que con Rubén pasa un poco eso también", afirmó, y mencionó a la gente del tango y a quienes, como él, crecieron escuchando lo que escuchaban sus padres.

Consultado sobre el proceso de producción, Venturini reconoció que durante el rodaje "uno sufre", porque "hacer cine en nuestro país no es sencillo" y "en este contexto muchísimo menos".

Sin embargo, aseguró que con la distancia termina disfrutándolo y que siempre vuelve a apostar al cine. "Es como una suerte de novia tóxica", bromeó.

Lo que más valora, dijo, es la devolución de los espectadores: "Las películas que hago es pensando en quién va a estar en la sala mirándolo", para que disfrute y "la pase bien un ratito de sus vidas".

El periodista y conductor Chiche Gelblung murió este miércoles a los 82 años, tras más de cinco décadas de trayectoria que lo destacaron como una figura central de la radio y la televisión argentina donde construyó un estilo propio atravesado por la provocación, la denuncia y el impacto mediático.

El comunicador había permanecido internado en terapia intensiva desde el pasado 12 de mayo en el marco de controles posteriores a una intervención cardíaca ya que semanas antes le habían colocado dos stents luego de un infarto en el pie producido por problemas circulatorios.

Samuel “Chiche” Gelblung nació el 7 de octubre de 1944 y desarrolló una de las carreras más extensas y reconocibles del periodismo argentino, desde su labor en gráfica, radio y televisión, aunque fue en la pantalla chica donde se consolidó como una personalidad que marcó la época, con un estilo frontal y muchas veces controversial, y se convirtió en una referencia ineludible del periodismo policial y de actualidad.

Su nombre quedó asociado históricamente a ciclos como “Memoria”, uno de los programas periodísticos más emblemáticos de los años noventa, donde mezclaba investigación, entrevistas, archivos impactantes y una controvertida impronta editorial.

El envío alcanzó altos niveles de audiencia y fue pionero en instalar una narrativa televisiva basada en casos policiales, escándalos políticos y debates sociales, que incluso a veces alcanzó el amarillismo con una impronta muy característica en su paso por señales como Canal 9, América TV, Crónica TV y Radio del Plata, entre muchas otras emisoras.

También condujo ciclos como “Hola Chiche”, “70.20.HOY”, “Chiche en vivo” y “Polémica en el bar”, además de mantener durante años una fuerte presencia radial en emisoras como Radio Del Plata, Radio 10 y Crónica TV.

Entre los episodios más recordados de su carrera aparece la difusión de imágenes inéditas de la intimidad familiar de Alfredo Yabrán en plena exposición pública del empresario tras el crimen de José Luis Cabezas, material por el que llegó a pagar 40 mil dólares y que finalmente no emitió luego de un pedido de la familia.

A eso se sumaron sus investigaciones televisivas sobre corrupción y narcotráfico durante los años noventa y las reiteradas discusiones al aire con dirigentes políticos y figuras del espectáculo que marcaron su estilo confrontativo, como el cruce con Guillermo Moreno a quien el conductor le gritó en la cara "¡Conmigo no vas a guapear, Moreno!".

Otras figuras con quienes Chiche se llegó a cruzar fueron Moria Casán con quien acumuló peleas a través de los años, incluso le dedicó un informe titulado “Moria, la movilera: el ocaso de una diva”. La más reciente pelea fue con el presidente Javier Milei, que lo había ido a visitar a una internación y terminaron enemistados por una entrevista.

Durante sus últimos años siguió al frente de programas en Crónica TV y participó de debates políticos en canales de noticias, incluso después de internaciones por neumonía, insuficiencia renal y cuadros cardiovasculares entre 2023 y 2026.

En noviembre de 2023 fue hospitalizado de urgencia en el Sanatorio Mater Dei debido a un cuadro de insuficiencia renal, ocasión en que recibió la mencionada visita de Milei. A los pocos días del alta, ya estaba al aire.

En abril de 2026 había revelado públicamente que le colocaron dos stents tras una descompensación y semanas después volvió a ser internado por complicaciones circulatorias.

“Esto no es joda”, “A mí me gusta preguntar lo que otros no preguntan”, “No hago periodismo para caer bien”, serán sólo algunas de las frases más recordadas de quien supo bromear con “La máquina de la verdad” y “autopsias de aliens”, e incluso así, no perdió notoriedad.

La película Pepita, la Pistolera, dirigida por Lucía Puenzo y protagonizada por Luisana Lopilato, se estrena este jueves 3 de septiembre en los cines argentinos. El film, rodado en Mar del Plata durante 2025, recrea la historia de Margarita Di Tullio, la figura más resonante del mundo criminal marplatense de los años 80.

A horas del estreno, dos de las trabajadoras que formaron parte del rodaje —Jimena Blanco, del área de producción, y Mary Brusca, a cargo de las locaciones en la ciudad— dialogaron con LU9 y coincidieron en un mismo sentimiento: el orgullo de ver a Mar del Plata en pantalla. "Es una película que es nuestra, es de todos", resumió Blanco, que llamó a "apostar al cine nacional". Brusca, marplatense, definió como "un honor" haber tenido en la ciudad a una directora del prestigio de Puenzo.

Blanco, que trabajó en la producción de campo del film, describió el rodaje como un operativo de gran escala. "Es como montar una gran empresa durante un período de tiempo muy, muy corto", graficó, al recordar que la producción llegó a reunir a alrededor de 80 técnicos, además del elenco y los proveedores.

Según su relato, el rodaje demandó unas seis o siete semanas de filmación, a las que se sumaron varias semanas más de trabajo de producción y un largo período previo de desarrollo, casting y ajustes del guion. "Le da trabajo a muchísima gente", remarcó.

Sobre el resultado, fue categórica: "la película está buenísima, es espectacular". Y anticipó que el público se va a sorprender con la protagonista: "van a ver a Luisana como nunca la vieron", dijo, en referencia a la transformación de Lopilato para meterse en la piel de Di Tullio.

Brusca, que volvió a vivir a Mar del Plata hace doce años y venía trabajando en servicios de producción para documentales y publicidad, contó que se sumó al proyecto a fines de 2024, cuando empezó a trabajar sola sobre el guion, y que el equipo fue creciendo con sucesivos viajes de scouting.

"Yo estoy maravillada, agradecida con el equipo técnico y artístico, porque me dieron la oportunidad de trabajar en un peliculón", expresó. Y destacó el trabajo sobre los escenarios: dijo que el puerto marplatense fue "una selección natural" que "sí o sí tenía que estar", mientras que el equipo de arte intervino calles, esquinas y rincones para "quitar lo más moderno" y devolverlos a la estética de mediados de los 80.

La jefa de locaciones puso el acento en un rasgo que, dijo, la enorgullece especialmente: en la película se ve "una Mar del Plata que no es la típica de postal". "Los marplatenses van a saber que es Mar del Plata, pero a lo mejor el público general no", planteó, y celebró esos detalles como "un guiño al local".

Blanco explicó que la reconstrucción histórica fue uno de los mayores desafíos de la producción. Al tratarse de un relato ambientado en los años 80, hubo que conseguir vehículos y objetos de época, además de resolver "muchos efectos especiales" que el espectador va a descubrir en el cine.

Todo ese esfuerzo, sostuvo, se traduce en la pantalla "desde el primer al último plano". "Da mucho placer verlo", dijo, y elogió el trabajo de dirección: contó que Puenzo "es muy exigente" y "muy clara con lo que quiere", algo que, para la producción, "da mucho gusto" porque se refleja en el resultado final.

Ambas trabajadoras remarcaron que la comunicación entre las distintas áreas fue permanente durante todo el proceso, que arrancó a fines de 2024 y se extendió casi todo 2025. Brusca subrayó que en el cine suelen convivir equipos "en contraposición" —sonido, arte, luces— para lograr un fin común, y que en este caso ocurrió algo distinto.

"Se logró una magia en el equipo que no es habitual de conseguir", describió, pese al cansancio y a la cantidad de horas de rodaje. "Queremos que se repita", agregó.

Consultada por el contexto de la industria, Blanco reconoció que reunir fondos "cada vez es más difícil". Señaló que las plataformas "eligen mucho dónde poner el dinero" y que hoy son cada vez menos las producciones que logran concretarse. Aun así, valoró que la trayectoria de la directora abre puertas: dijo que Puenzo "tiene un nombre" y "una impronta artística" que le permiten seguir haciendo las películas que quiere.

La productora aclaró que el detalle del financiamiento excedía su función —trabajó en la producción de campo— y evitó dar precisiones sobre cómo se financió el film. Sí insistió en la dimensión del esfuerzo: "una película sale muchísima plata", porque "le da trabajo a muchísima gente".

Brusca fue en la misma línea y puso el foco en el valor de sostener la actividad: "hoy en día es un privilegio poder filmar en esta época de desfinanciamiento de la industria", afirmó.

Sobre el cierre, las dos trabajadoras dejaron un mensaje al público. Blanco reivindicó el carácter local y colectivo del proyecto: "así como a nosotras nos enorgullece, a todos nos tendría que enorgullecer que esta película se haya hecho acá, en este país, y filmado en Mar del Plata". "Está bueno ir a verla y apostar al cine nacional", pidió.

Brusca, por su parte, llamó a "abrazar" la oportunidad de mostrar la ciudad y la cultura nacional, y a que "la gente se acostumbre a ir al cine, a consumir productos nacionales". "Realmente es impresionante desde todos los ángulos, les va a encantar", cerró.

Pepita, la Pistolera está inspirada libremente en la vida de Margarita Graciana Di Tullio, madama marplatense que se convirtió en una de las figuras más controvertidas de la crónica policial argentina. Su leyenda se cimentó el 20 de agosto de 1985, cuando mató a tres hombres que ingresaron a su vivienda, un hecho que la Justicia consideró en su momento vinculado a la defensa de su familia y que le valió el apodo popular. Di Tullio falleció en 2009 en Mar del Plata.

El film se estrena este jueves 3 de septiembre en salas de cine y, más adelante, se sumará al catálogo de Disney+. Con dirección de Lucía Puenzo y Luisana Lopilato como protagonista y productora ejecutiva, la película completa su elenco con Claudio Tolcachir, Alberto Ajaka, Charo López, Marcelo Subiotto, Camila Peralta, Esteban Bigliardi, Gustavo Bassani y María Riot, entre otros.

Murió Rubén Rada, prócer de la música uruguaya y referente, a la vez, del rock nacional. Así lo confirmó su familia este miércoles 26 de agosto. En octubre tenía planificado tocar con Totem, su banda de los ‘70.

Desde las comparsas de Montevideo hasta los escenarios de América Latina, Ruben Rada construyó una de las trayectorias más extensas y reconocibles de la música uruguaya. Cantante, percusionista, compositor, actor y conductor, el artista nacido el 16 de julio de 1943 quedó asociado a la expansión del candombe en diálogo con el rock, el jazz, la música brasileña y el pop.

Los primeros pasos de Rada transcurrieron en el carnaval y en los conjuntos vinculados al candombe. Integró desde niño la comparsa Morenada y, en la adolescencia, pasó por una murga y por la orquesta Cubanacán de Pedro Ferreira, a quien luego señaló como una referencia central dentro del género. En esa etapa también aparecieron sus primeros apodos artísticos, antes de afirmar el nombre con el que alcanzó notoriedad pública.

El ingreso a The Hot Blowers y luego a El Kinto marcó un punto de inflexión. En ese período se consolidó como cantante en un circuito que mezclaba jazz, música popular y experimentación. Con El Kinto participó en una etapa decisiva para la música local: el grupo quedó identificado como uno de los pioneros del candombe beat, fórmula que incorporó instrumentos eléctricos, tumbadoras, batería y canciones en español en una escena que hasta entonces seguía otras referencias.

Más tarde llegó su participación en Totem, una de las bandas de mayor influencia en la historia del rock uruguayo. Aunque el grupo tuvo una vida breve, entre 1970 y 1973, su combinación de rock, música latina y candombe dejó una marca duradera. Dentro de esa experiencia, Rada grabó dos discos con la banda y firmó composiciones como “Dedos”, “Biafra”, “Heloísa” y “Negro”.

En la década de 1970 también se vinculó con Opa, junto a Hugo Fattoruso, Osvaldo Fattoruso y Ringo Thielmann. De esa etapa surgió el álbum Magic Time, grabado en Estados Unidos, donde quedó incluida “Montevideo”, una de las canciones más asociadas a su repertorio. El cruce entre jazz rock y candombe amplió el alcance de su obra y reforzó su perfil dentro de la música rioplatense.

Su carrera solista tuvo varias etapas. Tras un comienzo con discos que la crítica valoró, aunque con recepción desigual en Uruguay, Rada ganó popularidad en Argentina durante los años 80. Allí editó trabajos como La Banda, La Rada, En familia y La yapla mata, además de registrar canciones que pasaron a integrar su repertorio habitual, entre ellas “Rock de la calle”, “Blumana” y “Candombe para Gardel”.

A comienzos de los 90 se instaló en México, en un período atravesado por dificultades económicas y por una industria que no terminó de abrirle un espacio estable. Después regresó a Uruguay y abrió una nueva etapa con discos de mayor circulación. Ese ciclo incluyó Montevideo, Miscelánea negra, Black y luego Quién va a cantar, álbum que amplió de forma clara su llegada masiva con temas como “Cha-cha, muchacha” y “Muriendo de plena”.

A partir de fines de los 90, Rada también desarrolló un trabajo orientado al público infantil, del que surgió el personaje Rubenrá. En paralelo sostuvo giras, grabaciones en vivo y proyectos donde volvió sobre distintas zonas de su carrera. Entre ellos aparecen Candombe Jazz Tour, Richie Silver, Solo Candombe, los discos instrumentales Confidence y una serie de espectáculos centrados en la revisión de su propio catálogo.

El reconocimiento institucional acompañó esa permanencia artística. En 2011 recibió el Grammy a la Excelencia Musical por su trayectoria y en 2014 el Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay le otorgó la Medalla Delmira Agustini. Años más tarde continuó publicando discos y presentando espectáculos, entre ellos Parte de la historia y As noites do Rio / Aerolíneas Candombe, trabajo editado en 2021 como homenaje a su madre brasileña.

La actividad pública de Rada también incluyó televisión, radio, teatro y cine. Integró elencos humorísticos, condujo programas en Uruguay y participó en ficciones, películas y doblajes. Esa exposición amplió un perfil que nunca quedó limitado al campo musical y que lo convirtió en una figura estable de la cultura popular uruguaya.

En 2024, la Junta Departamental de Montevideo lo homenajeó con una baldosa con su nombre en el Espacio de los Soles, en la peatonal Sarandí. A más de seis décadas de sus comienzos, su recorrido permanece ligado a la transformación del candombe en un lenguaje abierto al cruce con otros géneros y a una presencia sostenida dentro de la música del Río de la Plata.

El actor Christopher Lambert, conocido por su papel en la saga de ciencia ficción Highlander, sufrió una descompensación mientras asistía a un festival de fanáticos en Pittsburgh.

La situación de emergencia ocurrió en la convención anual Steel City Comic-Con cuando el actor, que tiene 69 años, firmaba autógrafos para sus fans.

De acuerdo a lo que declaró un testigo al medio TMZ, Lambert “se desplomó de manera repentina”. Minutos después, tuvo que ser trasladado en ambulancia a un centro de salud local.

Luego del episodio, la convención tuvo que emitir un comunicado en el que aclaró lo ocurrido con la figura de la saga de ciencia ficción.

“Lambert tuvo que abandonar el evento debido a un problema personal”, expresaron. Además, la convención de cómics y cultura pop también anunció la cancelación de la sesión de fotos de fans con Lambert que tenían pautada.

Un representante de la estrella de Mortal Kombat y Highlander habló con TMZ para llevar tranquilidad: el actor se encuentra “perfectamente bien” y descansando en su habitación de hotel, luego de lo que le pasó.

El vocero del actor afirmó que Lambert no durmió lo suficiente la noche anterior a la convención y que no comió mucho durante el día, lo que provocó una baja de azúcar en sangre.

No es la primera vez que Lambert sufre una situación similar. En 2025, tuvo un susto cuando se lesionó la espalda al caerse por las escaleras del hotel en el que estaba.

Debido a la gravedad de la lesión, la estrella de Highlander tuvo que cancelar su aparición en el festival sueco SciFiWorld, que se hizo en marzo.

“Como actor, rodar y promocionar sus películas es una prioridad absoluta, y siempre lo ha sido, y siente el mayor respeto por las personas que organizan eventos y por los fans que asisten. Lamentablemente, esta vez no podrá asistir a la Comic-Con”, aseguraron sus representantes en aquel momento.

Christopher Lambert se hizo muy famoso en la década del 80 y del 90 por el personaje central de la saga de Highlander, en la que también trabajó Sean Connery. El segundo film de aquella historia se grabó en la Argentina.

Además de esta saga, Lambert se hizo muy popular entre los fanáticos de los videojuegos por encarnar a uno de los personajes centrales en el primer film de Mortal Kombat. (TN)

El mundo del espectáculo despidió a Ben Jones, el actor estadounidense que se hizo célebre en todo el planeta por interpretar a Cooter Davenport, el entrañable mecánico de Los Dukes de Hazzard. Tenía 84 años y murió este domingo tras sufrir un infarto masivo, según confirmó su esposa, Alma Viator, a través de un mensaje en redes sociales.

Viator, con quien Jones estuvo casado durante más de tres décadas, contó que el actor se descompensó mientras descansaba en su sillón favorito, esperando para ver un partido de su querido equipo de béisbol, los Atlanta Braves. En su despedida lo recordó como el amor de su vida y destacó la vida plena y feliz que llevó.

Nacido como Ben Lewis Jones el 30 de agosto de 1941 en Tarboro, Carolina del Norte, y criado en Portsmouth, Virginia, el actor alcanzó la fama mundial cuando fue elegido para encarnar a "Crazy" Cooter Davenport, el mecánico del condado de Hazzard y aliado incondicional de los primos Bo y Luke Duke. Interpretó al personaje en las siete temporadas originales de la serie, que se emitió por la cadena CBS entre 1979 y 1985.

Cooter, considerado un "Duke honorario", se convirtió en uno de los favoritos del público por su costado rebelde y pícaro, y por su taller ubicado justo enfrente de la comisaría, desde donde seguía de cerca los movimientos de la familia Duke. Jones apareció en 142 episodios junto a un elenco que integraban, entre otros, Tom Wopat, John Schneider, Catherine Bach, Denver Pyle y Sorrell Booke. Años más tarde volvió a ponerse en la piel del personaje en la película para televisión "Reunión" (1997) y en el especial "Hazzard en Hollywood" (2000).

Pero la vida de Jones excedió largamente a la pantalla. Tras presidir la filial de Georgia del sindicato de actores y encabezar la Comisión de Cine de ese estado, ganó en 1988 la banca por el Cuarto Distrito del Congreso de Georgia y fue reelecto en 1990. Como legislador demócrata, integró los comités de Asuntos de Veteranos y de Obras Públicas y Transporte, y llegó a ejercer como whip de su bancada. En 1994 se enfrentó sin éxito a Newt Gingrich, y en 2002 volvió a intentar regresar al Congreso, esta vez cayendo ante Eric Cantor.

Fuera de la política, Jones también tuvo papeles en films como "Primary Colors" (1998) y "Joe Gould's Secret" (2000), y en 1999 abrió junto a su esposa "Cooter's", un museo y tienda dedicados a homenajear a la serie que lo hizo famoso. En 2007 publicó sus memorias, "Redneck Boy in the Promised Land", donde repasó su vida y habló abiertamente de su lucha contra el alcoholismo.

Su colega y compañero de elenco Tom Wopat, que interpretaba a Luke Duke, lo despidió con un sentido mensaje en el que lo definió como un gran amigo y un ferviente defensor de lo mejor del mundo del entretenimiento, y aseguró que sentía como si el elenco hubiera perdido a un primo Duke.

El poema griego más antiguo de la tradición occidental volvió a la conversación cotidiana por el estreno cinematográfico del año, y esta semana también llegó a la radio. En su columna de los viernes por LU9, el escritor y periodista marplatense Raly Haurat propuso leer "La Odisea" por fuera del recuerdo escolar: como una historia que sigue explicando el presente y que dejó marcas concretas en el tango y en el rock argentino.

Haurat armó el recorrido cruzando tres lenguajes: literatura, música y cine. Sostuvo que el texto conserva vigencia "más allá de que fue escrito hace 3.000 años" y que en el mundo griego "aparece casi todo lo que nos va a pasar", desde la contrariedad hasta el deseo de volver a un lugar y no poder.

El columnista repasó el episodio que abre la historia: la guerra de Troya y la estratagema del caballo de madera, presentado como ofrenda. Según relató, dentro de la estructura iban unos cuarenta soldados que esperaron la noche: "por la noche salen del caballo, abren las compuertas y hacen un desastre".

De ahí, explicó, la expresión sobrevive en el habla diaria como sinónimo de engaño encubierto bajo la forma de un regalo. Haurat también recordó que muchos nombres cambiaron al pasar de Grecia a Roma —Odiseo se volvió Ulises, Dioniso se volvió Baco— con una humorada: "en los romanos le han robado el copyright".

El eje de la obra, marcó, no es la guerra sino la vuelta: diez años de guerra y otros diez de regreso a Ítaca, con el mar convertido en obstáculo por la enemistad de Poseidón, el Neptuno de los romanos.

En ese periplo aparecen la isla del cíclope Polifemo y el paso frente a las sirenas. Haurat se detuvo en ese pasaje porque, dijo, funciona como una metáfora que sigue en uso: el canto "además de ser agudo, te traía verdades", una experiencia que comparó con "sentarse en el diván". Odiseo pide ser atado al palo del barco para escuchar sin sucumbir.

Y trasladó la imagen al presente: cuando alguien advierte "guarda de ir detrás de los cantos de sirena", suele hacerlo pensando en algo tentador y positivo, cuando en el origen del mito era exactamente lo contrario.

El bloque musical incluyó una versión en vivo de "Penélope", de Joan Manuel Serrat, para entrar en la figura de la mujer que espera veinte años tejiendo de día y destejiendo de noche, mientras crecen los pretendientes que buscan reemplazar a Odiseo.

Ahí el columnista dejó una de las frases más comentadas de la emisión: "el que espera también viaja". Aun sin moverse del lugar, argumentó, quien aguarda imagina escenarios y recorre un trayecto propio, un mecanismo que la literatura repite una y otra vez porque el desencuentro es lo que más atrae al lector.

Haurat también explicó por qué el "Ulises" de James Joyce arrastra fama de lectura inaccesible, algo que comparó con "subir al Everest": la novela condensa la acción en un solo día y apuesta al monólogo interior, un recurso que describió como "un pensamiento caótico" muy difícil de sostener. Por eso, señaló, "salvo Saramago, son pocos los escritores que se animaron a ese género".

El tramo final del recorrido fue argentino. El columnista recordó que la tradición local también llevó los nombres griegos y latinos a la música popular: los hermanos Homero y Virgilio Expósito, y Homero Manzi, el santiagueño autor de la letra de "Sur".

Después se detuvo en "Homero", el tema de Viejas Locas incluido en el disco "Especial" (1999). Allí, dijo, la cuestión homérica aparece transformada en una historia "barroca" y "muy kafkiana", algo que no termina de resolverse: "no va a haber cíclopes, ni maremotos, ni va a estar Neptuno, pero sí va a estar la vida de ese final de los 90, el final del menemismo".

El cierre fue para David Lebón, que en los 70 integró junto a Rinaldo Rafanelli y Juan Rodríguez el trío Polifemo, bautizado como el cíclope de la Odisea. Su simple más recordado, "Suéltate rock and roll", fue regrabado en "Lebón & Co." (2019), el álbum producido por Gabriel Pedernera —baterista de Eruca Sativa— que ganó seis premios Gardel en 2020, incluido el Gardel de Oro.

Para Haurat, ese dato dice algo sobre una época: "en esa década del 70 no solamente había discos en las mesas, sino también libros". Y remató con una recomendación para los oyentes: "fíjate las cosas que leían también entonces los rockeros de ese momento".

La columna llegó a la Odisea por la vía del cine. "La Odisea", escrita y dirigida por Christopher Nolan, se estrenó en la Argentina el jueves 16 de julio, con distribución de UIP y una duración de 173 minutos. Está protagonizada por Matt Damon como Odiseo, junto a Tom Holland, Anne Hathaway, Charlize Theron, Zendaya, Robert Pattinson y Lupita Nyong'o.

Haurat advirtió que quienes vayan a la sala pueden ganar mucho repasando antes la historia, porque la película "es todo acción" y no se detiene a explicar el mito. Y dejó la puerta abierta al libro para quienes quieran ir a la fuente.

El actor neozelandés Sam Neill, recordado en todo el mundo por interpretar al paleontólogo Dr. Alan Grant en Jurassic Park (1993), murió este lunes a los 78 años en Sídney, Australia. La noticia fue confirmada por su familia, que informó que el fallecimiento fue repentino e inesperado.

Según el comunicado difundido por sus seres queridos, Neill estaba libre de cáncer al momento de su muerte, luego de haber superado un linfoma que había hecho público en los últimos años. La familia no dio a conocer las causas del fallecimiento.

Aunque construyó una carrera de más de cinco décadas y participó en más de 150 producciones, Sam Neill alcanzó la fama mundial al protagonizar Jurassic Park, la película dirigida por Steven Spielberg que revolucionó el cine en 1993. Su interpretación del Dr. Alan Grant lo convirtió en uno de los personajes más queridos de la franquicia, papel que retomó en entregas posteriores, incluida Jurassic World: Dominion.

Además de la saga de dinosaurios, Neill dejó actuaciones memorables en películas como El piano, La caza del Octubre Rojo, En la boca del miedo y Horizonte final, además de destacarse en series como Peaky Blinders y Los Tudor.

Nacido en Irlanda del Norte en 1947 y criado desde pequeño en Nueva Zelanda, Sam Neill fue considerado uno de los actores más respetados de su generación. También era reconocido por su pasión por la vitivinicultura y por compartir con humor momentos de su vida cotidiana en las redes sociales.

Con su partida, el cine despide a uno de los rostros más emblemáticos de una generación de clásicos que marcaron a millones de espectadores en todo el mundo. Su legado permanecerá para siempre en la pantalla grande, especialmente en el universo de Jurassic Park, donde su personaje quedó grabado en la memoria de varias generaciones. 

Tras el fallecimiento de la cantante Bonnie Tyler, su pieza más recordada "Total Eclipse of the Heart" volvió a ponerse sobre la mesa y trajo nuevamente a escena su última aparición en vivo, registrada en el mítico Shepherd's Bush Empire de Londres.

La artista galesa, de 75 años, falleció ayer en Portugal debido a las complicaciones de salud que arrastraba desde abril, cuando una cirugía de urgencia obligó a cancelar su agenda. Su deceso marca el fin de una era para el pop-rock de los 80 que marcó el legado una de las baladas más intensas y universales de la historia de la música.

No obstante, la última imagen de la artista impregnó las retinas de sus seguidores con la interpretación de su mayor éxito, que ocurrió el pasado 19 de marzo, en el Shepherd's Bush Empire de Londres, donde Tyler cerró su recital con el tema que definió su trayectoria.

Ante un público entregado y visiblemente conmovida, la cantante selló su carrera con una interpretación magistral, sin saber que sería su despedida definitiva de los escenarios antes de que su salud se deteriorara semanas más tarde.

Lanzada el 11 de febrero de 1983, la canción fue escrita y producida por el legendario Jim Steinman que la concibió para un musical basado en la novela "Nosferatu" bajo el título tentativo de "Vampires in Love", lo que explica su atmósfera dramática y teatral.

El éxito fue inmediato y avasallador: alcanzó el número uno en los rankings de Estados Unidos, Reino Unido, Canadá y Australia y se consolidó como la cima comercial de la carrera de la artista.

La vigencia del single atravesó más de cuatro décadas, superó los 1.000 millones de reproducciones en Spotify, un hito que fue oficialmente reconocido este mismo año y así, afirmó que su música trascendió a las generaciones de los 80.

Bonnie Tyler atravesó un proceso difícil desde abril pasado, tras una cirugía de emergencia, por lo que su equipo mantuvo un hermetismo prudente sobre el diagnóstico preciso, pero la gravedad del cuadro médico impidió cualquier retorno a los escenarios.

La convocatoria al 12° Festival FUNCIMEMA cerró en las últimas horas, con un total de 400 producciones (entre largos, medios y cortos) provenientes de 44 países. Se trata de una cifra récord para el certamen, lo que simboliza el interés que la fecha va despertando con el paso de sus ediciones.

Como es habitual, la actividad principal se desarrollará en el Museo MAR (López de Gómara y la costa), pero también habrá proyecciones en la Sala Nachman (avenida Patricio Peralta Ramos 2280) y en El Galpón de las Artes (Jujuy 2755). Todas las proyecciones serán con entrada gratuita (en El Galpón de las Artes serán a la gorra).

La programación del 12° FUNCINEMA estará integrada por largometrajes, medios y cortos que se verán en secciones paralelas y en la tradicional Competencia Internacional de Cortometrajes. Como es habitual, se contará con la presencia de un jurado que elegirá lo mejor de la competencia, además del voto del público y la presencia de la empresa Pochoclo Rental con un premio especial para los cortos argentinos en exhibición.

El equipo de programación se encuentra abocado a la selección del material que conformará la programación, la cual será difundido en próximas semanas, como así también el nombre de los jurados.

Organizado por el staff de la web marplatense www.funcinema.com.ar, el Festival Internacional de Cine de Comedia – FUNCINEMA cuenta con el aval del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), el apoyo del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y ha sido declarado de interés turístico y cultural por el Ente Municipal de Turismo y Cultura (EMTURyC).

Para mayor información por favor contactarse a funcinemacine@gmail.com

Mar del Plata comenzó a transitar el camino hacia la 41ª edición del Festival Internacional de Cine con la presentación de su nuevo directorio y el lanzamiento exclusivo del spot oficial 2026. El acto se llevó a cabo esta mañana en el Espacio INCAA – Espacio Chauvín y reunió a autoridades, representantes del sector audiovisual, realizadores y medios de comunicación.

En esta edición, el directorio está conformado por Agustín Neme, Intendente del Partido de General Pueyrredon; Diego Juárez, Presidente del EMTURyC; Carlos Pirovano, Presidente del INCAA; Florencio Aldrey Iglesias, empresario; y Fernando Álvarez, Presidente de Fundación Global.

En el su anuncio, también participaron Jorge Stamadianos, Co-Director Artístico del Festival; Elisabeth Blanco, Gerente de Políticas Públicas del INCAA; Miguel Monforte Presidente de SIGNIS Argentina (Asociación Católica de Comunicación); autoridades municipales y miembros de la producción del Festival.

El Intendente Municipal, Agustín Neme, explicó que “nosotros tomamos una decisión que es involucrarnos y trabajar mucho para que este festival vuelva a ser lo que fue en algún momento, por eso desde nuestro lugar les vamos a pedir a cada uno de los sectores de la ciudad que llevamos el festival a todos los rincones: que si esa semana vamos a comer a algún lugar, se sienta el festival de cine; y que si vamos a recorrer una plaza, también. Es algo único y tenemos que cuidarlo y potenciarlo, porque como siempre digo, Mar del Plata no tiene techo y lo vamos a demostrar también en noviembre”.

Asimismo, agradeció “la voluntad y el acompañamiento del INCAA y del equipo también de producción y audiovisual donde estamos trabajando. Próximamente van a tener novedades, porque vamos a llevar a Mar del Plata a cada una de las plataformas, tanto de series como de películas, mostrando el potencial y talento que tiene nuestra ciudad a todo el mundo”.

“Les pido a cada uno de los marplatenses y batanenses que nos pongamos la camiseta de la ciudad donde diga “Festival Internacional de Cine” y que trabajemos todos por eso, juntos y desde ahora, porque solo así va a ser un éxito”, concluyó Neme.

Por su parte Diego Juárez, Presidente del Ente Municipal de Turismo y Cultura de Mar del Plata, señaló que “es una enorme satisfacción acompañar la presentación de una nueva edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, un evento que forma parte de la identidad cultural de nuestra ciudad y que nos proyecta al mundo. Hablar de este Festival es hablar de historia, de talento, de creatividad y de una tradición que ha convertido a Mar del Plata en un punto de encuentro para realizadores, productores, artistas y amantes del cine de todos los continentes”.

“El Festival no solo impulsa la cultura sino que también genera movimiento económico, fortalece el turismo, dinamiza la gastronomía, la hotelería y pone en valor el enorme potencial de nuestra ciudad. Mar del Plata tiene una vocación natural para recibir grandes eventos, y ésto lo demuestra. Por eso quiero agradecer a todos los que lo hacen posible y destacar que cuando el mundo mira al cine, también mira a Mar del Plata”, concluyó Juárez.

Asimismo Carlos Pirovano, Presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) indicó que "he visto pocas ciudades con el talento que tiene Mar del Plata" y remarcó la iniciativa del Intendente en conformar el directorio y “articular con las empresas privadas e involucrar a Mar del Plata en el festival: que cada uno corra la cancha como lo hizo Messi el otro día. El talento se demuestra, está para brillar, para mostrarlo".

Fernando Álvarez, Presidente de Fundación Global, agradeció la distinción de invitarlo a formar parte del directorio en nombre de 150 empresas y añadió que “Mar del Plata tiene cada año una fecha en el fixture de la Fórmula 1 de la cultura mundial, que es nuestro Festival Internacional de Cine, al que nosotros acompañamos con entusiasmo”.

Luego de la presencación del directorio, se proyectó por primera vez el spot institucional elaborado por el INCAA, que refleja el espíritu y la identidad de esta nueva edición.

Estos anuncios marcaron el inicio formal de la cuenta regresiva hacia el encuentro cinematográfico más importante de Latinoamérica, que se desarrollará del 5 al 15 de noviembre de 2026 en Mar del Plata.

La 23ª edición del Festival Nacional de Cine de Tandil ya abrió su convocatoria para películas nacionales de ficción y documental. El certamen, que se desarrollará del 17 al 24 de octubre de 2026, seleccionará diez producciones para competir por los premios Centinela al Cine Nacional y otros galardones paralelos.

Dedicado exclusivamente al cine nacional, con una perspectiva federal, Tandil Cine busca promover obras con propuestas artísticas, técnicas y narrativas innovadoras, al tiempo que impulsa nuevas miradas y fomenta la formación de públicos. La edición 2026 contará con secciones no competitivas, competencias de largometrajes y cortometrajes de ficción, documental y animación, además de la sección “Panorama Tandil”, destinada a producciones locales. También habrá secciones no competitivas de la producción audiovisual argentina.

Podrán participar películas nacionales realizadas a partir del 1° de enero de 2025 que no hayan competido en ediciones anteriores del festival. La inscripción estará abierta hasta el 31 de julio de 2026 a través de la plataforma FilmFreeway (filmfreeway.com/TandilCine). Las obras seleccionadas se anunciarán el 1° de septiembre y serán evaluadas por un jurado integrado por referentes del cine nacional y local. El Festival otorgará premios en distintas categorías, entre ellas Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Actuación.

Tandil Cine, que este año celebra 25 años de trayectoria, es organizado por la Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires y el Municipio de Tandil, con el acompañamiento de la Biblioteca Popular Bernardino Rivadavia y el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. Desde su creación en 2001, el certamen ha sostenido una trayectoria ininterrumpida. Desde 2014, además, cuenta con la posibilidad de proyectar películas en una de las pantallas más grandes de la provincia de Buenos Aires, ubicada en el Espacio Incaa Unicen, y desde 2025 sumó un nuevo espacio de encuentro en el Multicultural municipal.

La propuesta se sostiene gracias al trabajo conjunto de la Universidad, el Municipio y los diversos actores que impulsaron su organización, potenciando el crecimiento de Tandil como polo audiovisual y fortaleciendo iniciativas culturales que también dinamizan al entramado productivo local.  A lo largo de este cuarto de siglo, se consolidó como uno de los festivales de cine más importantes del interior del país y como un espacio fundamental para la difusión de la producción audiovisual argentina con el objetivo de “ampliar la mirada”.

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Murió hoy Carlos Alberto "Indio" Solari, el emblemático líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

El creador del "pogo más grande del mundo", dueño de letras icónicas que marcaron a generaciones enteras y emblema del rock nacional, falleció hoy a los 77 años.

El músico batallaba desde hacía años contra el mal de Parkinson.

Según el parte policial la Unidad Fiscal 2 de Ituzaingó se presentó en su hogar para constatar el deceso del artista y, tras informar las averiguaciones por el causante, consideraron que "nada indica o señala" otro motivo.

Solari fue reconocido como una de las figuras más influyentes y enigmáticas de la historia del rock argentino que alcanzó una dimensión mítica como líder y principal compositor de la banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, un fenómeno cultural que se convirtió en un símbolo de independencia artística y convocatoria popular en la década del 70.

Tras la disolución de la banda en 2001, el músico se desempeñó como solista y mantuvo una convocatoria multitudinaria en cada presentación junto a "Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado".

Entre sus acercamientos más recientes al público, el artista recibió un homenaje por parte de la Universidad de Buenos Aires que le otorgó el doctorado Honoris Causa,  con un acto en el Aula Magna de la Facultad de Medicina y el músico envío un mensaje en agradecimiento por la distinción.

En el mismo acto, el guitarrista e integrante de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, Gaspar Benegas, junto a un octeto de cuerdas, interpretaron diez canciones del Indio, que fueron ovacionados por el público presente.

La reunión fue presidida por el rector de la Universidad de Buenos Aires (UBA), Ricardo Gelpi que definió al intérprete como “un artista que hizo de la originalidad una ética, construyó uno de los lazos más intensos entre un músico y su comunidad que registre la historia cultural del país y, que demostró que la mayor ambición posible no es la fama ni el dinero sino la justificación de una vida entera a través del trabajo”.

Aunque su perfil más reconocido se enfoca en el ámbito musical, desde joven desarrolló intereses vinculados al arte, la literatura y la contracultura. (NA)

Este jueves a la tarde se confirmó la muerte de Chunchuna Villafañe a los 92 años. La noticia la dio su hija, Juana Molina, quien la despidió con un sentido posteo en su cuenta de Instagram.

“Queridos amigos, murió mi querida mamita. era algo que esperaba y temía. Sucedió esta madrugada”, escribió la artista.

Muy triste por la muerte de su madre, la actriz agregó: “Es un cocktail de sensaciones. Cuando volví a su casa y vi su cama vacía me di cuenta de que la voy a extrañar mucho. Esa ausencia inmensa”.

“Ir a su casa a conversar era algo que hacía muy a menudo y sería incapaz de recordar alguna de esas conversaciones que duraban horas. no sé de qué hablábamos, pero hablábamos mucho”, añadió en el posteo junto a una foto de la histórica modelo y actriz.

Sobre lo que siente en este momento y que pasará con un espectáculo que tenía pactado, Molina comunicó: “Creo que ahora quiero estar con mi hijita bien juntitas las dos. Así que, con mucha tristeza, quiero avisarles que mañana no voy a poder hacer el show en @xlrcluboficial, San Miguel. Hasta hace unos minutos pensé en hacerlo igual, pero luego me pareció que iba a ser una epopeya que no puedo protagonizar“.

“Estoy siempre agradecida por su apoyo y amor. Pasará, sanará”, concluyó Juana, junto a un emoji de un corazón roto.

La publicación se llenó de mensajes de cariño y muestras de afecto para la actriz en este momento tan complicado.

Elba “Chunchuna” Villafañe, una de las grandes bellezas argentinas, provenia de una familia de notables: su bisabuelo, Benjamín Villafañe, fue gobernador de la provincia de Jujuy. Su padre, César Villafañe, militar de profesión, se convirtió en un jinete de prestigio internacional. Su madre también fue una eximia amazona. Su tía, Elba Villafañe, era una artista -pintora y escultora- multipremiada y profesora emérita de la Facultad de Bellas Artes, célebre por sus paisajes de Tilcara y los retratos de su gente, los coyas.

A raíz de la profesión de su padre, Chunchuna vivió en diferentes provincias pero cuando la familia se estableció en Buenos Aires concluyó su educación y cursó la carrera de Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires.

Mientras estudiaba, para sostenerse y colaborar con su familia, comenzó a trabajar como modelo y rápidamente se convirtió, junto con Claudia Sánchez, en una de las figuras más cotizadas de la publicidad argentina. Muchos recuerdan todavía los avisos que realizó con Ugo Tognazzi y en general su elegancia y sensualidad cualquiera fuera el producto que le tocara vender.

Pero Chunchuna se crio en una familia interesada en la política y ella no se mantuvo al margen. De jovencita escuchaba con atención las discusiones políticas que mantenían algunas personalidades de la época que visitaban su casa. Ya casada (con Horacio Molina) y madre de dos hijas (Inés y Juana Molina) conoció al padre Carlos Mugica en una reunión social.

Quedó impactada y comenzó a trabajar con él en la Villa 31. Mejoraba las viviendas y usaba su popularidad para lograr que en los hospitales atendieran a la gente que de otro modo quedaba postergada. Su adhesión al peronismo le costó algunos contratos, pero también le abrió una puerta a sus inquietudes sociales.

De vuelta en el país con el regreso de la democracia, Chunchuna Villafañe hizo su entrada triunfal en el cine con su participación, junto con Norma Aleandro, en la película La historia oficial, de Luis Puenzo, que ese año, 1986, ganó el Oscar a la mejor película en idioma extranjero.

Ella había estudiado con Agustín Alezzo y participó en películas anteriores como Un guapo del 900 y No toquen a la nena entre otras. Trabajó en televisión -Atreverse, Mujeres asesinas, Tratame bien- y en teatro hizo obras de Somigliana, Discépolo, Beckett y Pavlovsky. Trabajó dirigida por Oscar Barney Finn (Cartas de amor) y en la película Vidas privadas, de Fito Páez.

Silvia Freyre llegó a LU9 Radio Mar del Plata cargada de franqueza y humor para hablar de Estoica, su más reciente libro. Pero la charla fue mucho más allá de la obra: se convirtió en una clase sobre autoconocimiento, dolor emocional y los mecanismos que usamos, o que nos usan, para seguir adelante.

La autora explicó que el libro reúne los estados de ánimo que transitó durante tres años tras la pérdida de su compañero de vida. "No es tanto una autobiografía sino más un manual de instrucciones, para saber qué hacer cada vez que te está pasando algo, si es que querés ayudarte", señaló. Un mapa emocional, en sus palabras, para quien quiera trabajar a su favor y no en contra.

Uno de los ejes de la conversación fue la idea de que cada persona alberga múltiples personalidades o facetas que conviven en tensión. Freyre lo graficó con una imagen potente: "Todos somos un conventillo. Tenemos todas las personalidades y todos los rasgos, y algunos están más desarrollados que otros".

La escritora comparó ese mecanismo con marcar un número de teléfono: "Si marcás el 113 te da la hora, si marcás el 110 te dan información. Depende del número que marqués, a quién convocás". La clave, según ella, está en decidir conscientemente qué aspecto de uno mismo se pone al frente.

Freyre reconoció sin rodeos su propia tendencia masoquista y la usó como ejemplo de autoconocimiento: "Eso me da mucha autoridad conocerme y conocer ese rasgo, y saber que en el fondo hay una masoca que puede escuchar un tema que te flagela durante 47 horas". Conocer ese rasgo, dijo, es la condición para poder manejarlo.

Cuando el conductor le preguntó qué personalidad interna es la que la saca del túnel de oscuridad, Freyre fue directa: el altruismo. "Cuando levantás la vista de tu ombligo y empezás a mirar al otro a los ojos, empezás a conectar con las necesidades del otro", afirmó.

Contó que en su peor momento personal, una referencia a la autoayuda —que en principio desestimó— le "tiró una puntita" que resultó ser "un tronco enorme que finalmente me salvó". Su método concreto fue ir al Hospital Garrahan a ver qué era lo peor que estaba pasando a su alrededor. "Cuando levantás la vista de tu ombligo, empezás a ver un mundo ahí afuera donde hay otras personas que tienen otras necesidades", resumió.

La charla también tocó la crianza y los vínculos entre padres e hijos. Freyre habló de las "cartas del perdón" que propone en sus encuentros: ejercicios donde la persona imagina que quien le hizo daño le pide disculpas y le dice "no te vi". "Es tan fácil entenderlo, porque yo sé que si nos hubieran visto los mayores no hubieran hecho lo que hicieron", sostuvo.

Aplicó esa lógica a su propia madre, a quien evocó con ternura y sin reproches: "Mi vieja me decía que yo era su mejor amiga. Yo tenía 6 años. No estaba en condiciones". Y extendió la reflexión a cualquier padre o madre: "Todos estamos haciendo lo mejor que podemos con el conocimiento que tenemos".

En ese punto mencionó otro de sus libros, Prohibido tener hijos, cuyo subtítulo implícito es "a menos que te capacités". "Es muy peligroso. Nadie estudia para ser padre", advirtió con su habitual mezcla de humor y contundencia.

Con más de cuatro décadas de trayectoria, Freyre lleva publicados alrededor de 40 libros. Su camino comenzó cuando envió su primer trabajo a Bernardo Neustadt, quien le propuso ir por más. "De ahí arrancó un camino que no tuvo retorno", recordó. Siguieron siete años en Radio Continental y siete en Radio 10, experiencias que, según ella, "me dieron una potencia imparable".

Hoy, además de su actividad como escritora y conferencista, conduce en YouTube el programa Mundo Freyre OK, dedicado al turismo ancestral, y estuvo en Mar del Plata precisamente grabando contenido para ese proyecto. "Vine por el vicio de la radio porque me invitaron y amo el micrófono", admitió entre risas.

Estoica se presentó recientemente en la Feria del Libro y puede seguirse la actividad de su autora en redes y YouTube.

Netflix volvió a apostar fuerte por uno de los clásicos más importantes del cine argentino. La plataforma confirmó el inicio del rodaje de la nueva versión de “Nueve reinas”, la mítica película protagonizada originalmente por Ricardo Darín y Gastón Pauls. Esta vez, la historia llegará en formato serie y contará con un elenco encabezado por Álvaro Morte, Patrick Criado y José Coronado.

La producción ya comenzó a filmarse en Madrid y promete convertirse en uno de los grandes lanzamientos internacionales de Netflix. El proyecto buscará expandir el universo narrativo creado por Fabián Bielinsky y actualizar la trama al contexto social y económico de España durante la crisis de 2012.

La nueva adaptación de “Nueve reinas” estará ambientada en el Madrid de 2012, en plena crisis económica. Allí aparece Marcos, interpretado por Álvaro Morte, un experimentado estafador que se cruza con Juan, un joven desesperado por la falta de dinero y encarnado por Patrick Criado.

Lo que comienza como una serie de pequeños engaños callejeros rápidamente escala hasta transformarse en un golpe millonario. Ambos intentarán vender unas legendarias estampillas falsas conocidas como “las nueve reinas” a un poderoso magnate interpretado por José Coronado.

Según adelantó Netflix, la serie mantendrá el espíritu del thriller original, pero sumará nuevas capas dramáticas y profundizará las relaciones entre los protagonistas. La adaptación también pondrá el foco en una sociedad golpeada por la crisis, donde la línea entre víctimas y estafadores parece desaparecer.

Uno de los grandes atractivos del proyecto será la participación de José Coronado, uno de los actores más reconocidos de España gracias a producciones como “Entrevías” y “Legado”.

El elenco también incluye a Álvaro Morte, recordado mundialmente por su papel en “La casa de papel”, y Patrick Criado, otra de las figuras destacadas de las ficciones españolas recientes.

Además, completan el reparto Aura Garrido y Margarida Corceiro. La serie fue creada por Xosé Morais y Víctor Sierra, mientras que la dirección estará a cargo de Álex Rodrigo y Jorge Saavedra.

(España/2026) Serie. Temporada 1. 8 Episodios. Netflix

Creada por Esther Martínez Lobato y Álex Pina, con Pedro Alonso y Michelle Jenner, recupera al personaje más seductor de "La casa de papel" en otro golpe, el robo de una obra de Da Vinci. Joyas, lujo y traiciones acompañan su elegante vocación por el delito.

Menos urgencia y más glamour en este spin-off en el que importa tanto el robo como el placer de ejecutarlo. Funciona como expansión del mito y confirma que Berlín siempre fue más interesante que el atraco.

En síntesis: Estilo, delito, carisma.

(Estados Unidos/2026) Serie. Temporada 1. 8 Episodios. Netflix

Creada por Jeffrey Addiss y Will Matthews, con Alfred Molina y Geena Davis, propone una comunidad de jubilados donde la rutina se quiebra con una amenaza sobrenatural. Entre pasillos prolijos y vecinos cordiales, el verdadero enemigo parece ser el tiempo.

La gracia está en invertir la lógica habitual del género: aquí no corren adolescentes sino veteranos con memoria, ironía y cuentas pendientes. Ese cambio de perspectiva le da espesor y una melancolía poco frecuente.

En síntesis: Vejez, misterio, resistencia.

(Colombia/2026) Serie Documental. 3 Episodios. Netflix

Protagonizada por el futbolista colombiano James Rodríguez y dirigida por Simón Brand, recorre su vida desde sus inicios hasta la explosión en Brasil 2014, pasando por Real Madrid y Bayern Munich, y el peso de sostener una figura convertida en símbolo nacional.

Más que una celebración deportiva, retrata a un talento atravesado por la expectativa ajena. Entre goles, lesiones y críticas aparece el hombre detrás del ídolo: alguien obligado a convivir con su propia leyenda.

En síntesis: Gloria, presión, legado.

("Maximum Pleasure Guaranteed", EE.UU/2026) Serie. Temporada 1. 8 Episodios. Apple TV+

Creada por David J. Rosen, con Tatiana Maslany, sigue a una mujer atrapada entre la vida doméstica y una deriva criminal inesperada ligada al negocio del placer digital. El thriller convive con una comedia incómoda y bastante ácida.

Funciona mejor cuando abraza el absurdo y deja que su protagonista se vuelva imprevisible. No busca moralizar sino mostrar cómo el deseo, el dinero y la mentira suelen entrar por la misma puerta.

En síntesis: Riesgo, humor, vértigo.

(Argentina-Uruguay/2026)

Dirigida por Juan Taratuto, con Gael García Bernal y Natalia Oreiro, sigue a dos ejecutivos de una multinacional alimenticia que se conocen durante un viaje laboral en el Caribe, en medio de una crisis personal y empresarial. Ya en Uruguay, esa conexión inesperada empieza a alterar sus certezas.

Con tono íntimo y sin estridencias, la película se apoya en los matices emocionales y en la química de sus protagonistas.

En síntesis: Deseo, crisis, elección.

(Argentina/2026)

Juan Cabral y Santiago Franco reconstruyen el triunfo de Argentina frente a Inglaterra en México 86, cruzando la Mano de Dios y el Gol del Siglo con la memoria de Malvinas y una revancha emocional colectiva.

Se vale de archivos inéditos y testimonios de ambos bandos para transformar un partido histórico en un relato político y humano. Para recordar.

En síntesis: Épico, sensible, revelador.

(EE.UU./2026)

Jon Favreau lleva al cine a Din Djarin y Grogu en una aventura que enfrenta restos del Imperio y nuevos señores de la guerra dentro de la Nueva República.

Más que un spin-off, marca el regreso formal de Star Wars a salas con Pedro Pascal al frente y una apuesta a la épica clásica. Para fanáticos.

En síntesis: Nostálgica, expansiva, contundente.

La actriz y directora María Carreras anunció el regreso de "El Conventillo de la Paloma" a la cartelera marplatense. La función será este sábado a las 20:00 en la Sala Payró del Teatro Auditorium, en el marco del fin de semana largo, con un elenco íntegramente local.

Se trata de una versión en formato de sainete musical, con 30 artistas en escena, músicos en vivo, ballet y números corales que recuperan el clásico de Alberto Vacarezza. "Es una fiesta, el público sale bailando con los actores hasta el ascensor del Payró", definió Carreras en diálogo con LU9 Radio Mar del Plata.

La puesta reúne actores, músicos y bailarines de la ciudad. En esta oportunidad se suma Natalia Bols con su ballet de ocho bailarinas, el conjunto Alborada de gaitas, Los Franco en música y Susana Cruz en canto, junto a los intérpretes que dan vida a los personajes del conventillo escrito por Vacarezza.

Carreras destacó el espíritu colectivo del proyecto: "no ir a la competencia sino al equipo, a la sinergia, al sumar, al que todos aporten y todos se luzcan". La directora subrayó que el teatro independiente conserva una dinámica artesanal y que cada elenco "pasa a ser también una familia".

La obra está codirigida junto a su hermana Victoria Carreras, quien fue la impulsora original del proyecto. "Victoria es la que tiene la idea de decir vamos a hacer esta obra, ahora vamos a hacerla en sainete musical", contó María, y recordó que la propuesta retoma una idea que su padre, el director Enrique Carreras, había pensado originalmente para el cine.

Sobre el reparto de tareas en la dirección, explicó que su hermana trabajó más la dirección de actores mientras ella se ocupó del montaje, las luces, la escenografía y la coreografía, ya que Victoria también está en escena interpretando a "la gallega", un personaje que según María tiene "reminiscencias de Niní Marshall".

Hija de los directores y actores Enrique y Mercedes Carreras, María repasó cómo construyó su propio camino dentro de una familia con fuerte tradición teatral y audiovisual. "De chica yo vi cómo se trabajaba, cómo venían los guionistas", relató, y contó que arrancó "con mucha inconsciencia, propia de la adolescencia", actuando, dirigiendo y escribiendo en paralelo a los trabajos junto a su padre.

La directora señaló que cada integrante de la familia fue encontrando su lugar: Victoria se desarrolló como actriz, directora y creadora audiovisual con cuatro cortometrajes realizados, mientras que Marisa Carreras hoy se dedica a la producción de espectáculos ligados al mundo del tango. "Cada uno fue buscando por dónde podría abrirse camino, escuchándose y siendo fiel a lo que uno es", reflexionó.

Consultada sobre el perfil del espectáculo, Carreras aseguró que se trata de una propuesta apta para todas las edades. "Se convierte en una experiencia. Ahora se habla de experimentar, de vivenciar, y eso es lo que estamos haciendo con el conventillo", planteó.

La directora insistió en el carácter festivo de la obra y en la posibilidad de que el espectador "se transporte en el tiempo", pase un buen momento o se detenga a pensar en cuestiones que habitualmente no se aborda. "Eso es lo que más me entusiasma", afirmó.

"El Conventillo de la Paloma", en versión sainete musical, se presentará el sábado a las 20:00 en la Sala Payró del Teatro Auditorium de Mar del Plata. La función contará con músicos en vivo y 30 artistas en escena.

El cantante marplatense Gabriel "Gaby" Camino vivió uno de los momentos más importantes de su carrera artística al participar del programa "Cantando con Abel Pintos" de Canal 13, donde el reconocido artista santafesino se subió al escenario para cantar junto a él un fragmento de "La llave", uno de sus temas más emblemáticos.

En diálogo con LU9 Radio Mar del Plata, Camino aseguró que todavía le cuesta dimensionar lo vivido: "esto fue todo tan rápido que nunca me imaginé que iba a ocurrir algo así". El cantante reconoció que tras tantos años de trabajo, en apenas tres minutos le "cumplieron un sueño inimaginable" y admitió que vuelve a ver el video y "no cae".

Un casting al que casi no va

El artista contó que llegó al certamen con escepticismo. "Estaba un poco descreído de los certámenes", reconoció, y explicó que fue su familia quien lo impulsó a presentarse. "Me decían 'andá, capaz que es una oportunidad' y terminé accediendo", relató.

Camino también señaló que llegó al estudio sin saber que ya estaba seleccionado para el programa. Pensaba que se trataba de una preselección, como ocurre en la mayoría de los castings, pero al arribar al canal se encontró con que "ya estaba todo preparado para grabar".

El fanatismo por Abel y el momento del escenario

El cantante remarcó que su vínculo con la figura de Abel Pintos hizo que la experiencia tuviera un peso especial. Recordó que durante un tiempo tuvo "una banda que hacía tributo" al artista y comparó la situación con la de un futbolero: "es lo mismo que te inviten a jugar un partido y esté Messi", graficó.

Sobre el instante en que Pintos se acercó a cantar con él, Camino lo definió como surrealista: "el escenario estaba hecho de flan, me temblaba todo". Según contó, la propuesta de subir al escenario fue idea del propio Abel y él no estaba al tanto.

Lo que no se vio en la edición

El marplatense reveló que parte del intercambio con el jurado y con Pintos quedó fuera de la edición televisiva por cuestiones de tiempo. "Conversábamos de algunas cosas con el jurado y con Abel, algunas palabritas ahí", contó, y agregó que el artista le habría dicho que cantara con él, a lo que en un primer momento se resistió por los nervios: "le decía que no porque no sé si voy a poder, estoy muy nervioso, me lo voy a pasar llorando".

Tras la actuación, hubo un abrazo y un breve diálogo de agradecimiento mutuo. "Yo le agradecí y él también me decía gracias", recordó.

Aprendizajes de un mundo nuevo

Pese a su trayectoria, Camino reconoció que la experiencia televisiva le abrió un universo desconocido. "Tenés que tener mucha resiliencia para estar arriba de un escenario así, para que el estrés no te gane", explicó. Señaló que para interpretar bien una canción hay que estar "lo más relajado posible" y que aún debe acostumbrarse a detalles como mirar a las cámaras, algo que no estaba dentro de sus hábitos como artista en vivo.

El cantante destacó que se trata de "un aprendizaje nuevo" y una experiencia que le va a "quedar para toda la vida".

El furor en las redes sociales

Otro de los puntos que sorprendió al artista fue la repercusión en redes sociales tras la emisión del programa. Camino contó que estuvo respondiendo mensajes de WhatsApp "hasta las dos o tres de la mañana" y que al día siguiente continuó haciéndolo durante toda la jornada, sin poder siquiera abrir sus redes.

"Yo no me considero una persona exitosa porque trabajo de lo que amo, pero a este nivel nunca me había ocurrido algo así", expresó. El marplatense adelantó que está pensando en grabar un video para agradecer de manera global a quienes le hicieron llegar mensajes de cariño, fuerza y aliento, ya que no logra responder uno por uno.

El regreso al programa y una victoria personal

Camino confirmó que volverá a presentarse en la segunda etapa del certamen y aseguró que dará todo de sí para avanzar. Sin embargo, dejó en claro que más allá del resultado deportivo del concurso, ya siente que ganó: "siento que un poco gané ya en la primera presentación, me sentí ganador por todo esto que viví, que no lo esperaba bajo ningún punto de vista".